Bafreakci 2010

Bafici, Matchmaking Mayor, de Erika Hníková

2011-04-08T12:49:00.000-07:00

Una de las comedias más divertidas de esta edición del BAFICI tiene una particularidad muy curiosa: se trata de un documental. Y vale aclararlo, porque el hecho de que un alcalde de un pueblito serbio quiera casar a todos sus habitantes cueste lo que cueste, parece un delirio salido de un sketch de Monty Python. Pero no, el film de Erika Hníková es tan real como la desesperación, entre lo patético y lo hilarante, de los habitantes de dicho pueblo, y su innercia absoluta a la hora de cambiar su situación.

El alcalde del título, que cuenta con una excelente imagen tras haber ayudado en cuestiones como el empleo y la seguridad, está convencido que la raza humana morirá (al menos, en su pueblo) a no ser que el hombre vuelva a sentar cabeza y así aumentar el índice de natalidad de manera urgente. Para ello, hace uso de las herramientas más obvias y explícitas, y tanto lo son que causan gracia: una fiesta con canciones que hablan sobre lo maravilloso que es procrear, anuncios diarios por altoparlante que recuerdan que se viene la primavera y las hormonas afloran, y un larguísimo etc que hay que ver para creer y comprender hasta dónde puede llegar la absurda pero buena intención de este hombre. Como si fuese poco, los últimos dos planos del documental de Hníková son un perfecto resumen de esta peculiar historia, y cuentan con el suficiente peso como para generar llantos o estallidos de risa.

FREAK

-Mariano Torres-

Toda la cobertura del Bafici 2011 aquí

FREAK

-Mariano Torres-

>Toda la cobertura del Bafici 2011 aquí<

Todos los premios

2010-04-17T23:21:00.000-07:00

Esta es la lista completa de premiados del 12º BAFICI

Selección Oficial Internacional

- Mejor película: "Alamar" , de Pedro González-Rubio (México).

- Mejor Director: Corneliu Poromboiu por "Police, Adjective" (Rumania).

- Premio Especial del Jurado: "La bocca del lupo", de Pietro Marcello (Italia).

- Distinción a Mejor Película Argentina: "Lo que más quiero", de Delfina Castagnino.

- Mejor Actor: Dragos Bucur por "Police, Adjective" (Rumania).

- Mejor Actriz: compartido para Pilar Gamboa y María Villar por "Lo que más quiero" (Argentina).

Selección Oficial Argentina

- Mejor Película: "Invernadero", de Gonzalo Castro.

- Mejor Director: Iván Fund y Santiago Loza por "Los labios".

- Premio Especial del Jurado: "Somos nosotros", de Mariano Blanco.

- Distinción Mejor Fotografía: "Las pistas – Lanhoyij- Nmitaxanaxac", de Sebastián Lingiardi.

Competencia Oficial de Cortometrajes

- Mejor Cortometraje: "Sábado uno", de Ignacio Rogers (Argentina).

- Mejor Cortometraje: "Mientras paseo en cisne", de Lara Arellano (Argentina).

- Mejor Cortometraje: "La mia casa", de Marcelo Scoccia (Argentina).

- Mención: "Los árboles se mueven, Sergio. Sí, Christian", de Christian Nunclares y Sergio Subero (Argentina).

Premio FEISAL (Federación Iberoamericana de Escuelas de la Imagen y el Sonido).

- Mención: "El vuelco del Cangrejo", de Oscar Ruíz Navia (Colombia).

- Premio: "Los labios", de Santiago Loza e Iván Fund (Argentina).

Premio Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos

- Premio: "Los labios", de Santiago Loza e Iván Fund (Argentina).

Premio ADF (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica)

- Director de Fotografía: Mauro Pinheiro Jr. por "Os famosos e os duendes da morte", de Esmir Filho.

Premio SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación)

- Premio: "La Bocca del lupo", de Pietro Marcello (Italia).

- Mención especial: "Alamar", de Pedro González-Rubio (México).

Premio FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)

- Premio: "Lo que más quiero", de Delfina Castagnino (Argentina).

Premio UNICEF

- Premio: "La Pivellina", de Tizza Covi y Rainer Frimmel (Italia-Austria).

- Mención: "Alamar", de Pedro González-Rubio (México).

Competencia Derechos Humanos

- Mejor película: "Cuchillo de palo", de Renate Costa (España-Paraguay).

- Mención: "Octubre Pilagá, relatos sobre el silencio", de Valeria Mapelman (Argentina).

- Mención: "Petition", de Zhao Liang (China-Francia).

- Mención: "El Rati Horror Show", de Enrique Piñeyro (Argentina).

Cine del Futuro

- Mejor Película: "Morrer como un homem", de João Pedro Rodriguez (Francia-Portugal).

- Mención: "Sewer", de Sherad Anthony Sanchez (Filipinas).

Ajami

2010-04-17T05:20:00.000-07:00

Ajami. Israel / Alemania. 2009. Dir.: Yaron Shani & Scandar Copti.

Si es que el premio Oscar tiene algún valor de tipo cinematográfico, si es que clava alguna marca que tenga relación con la calidad de los films en cuestión, pues hay que decir que El secreto de sus ojos ganó una competencia más que reñida.

Porque además de que el Bafici nos dio la chance de ver en pantalla grande ese nuevo gran trabajo de Michael Haneke que es La cinta blanca, también nos propuso esta producción israelí alemana "de excepción", como gustan decir los críticos de toda laya.

Ajami transcurre en un escenario completo, por momentos tenebroso y casi siempre fatal: la frontera entre Israel y Palestina, tierra de muerte, hostilidad y múltiples posibilidades de que las cosas terminen mal.

El relato comienza con un asesinato a tiros, en una vereda cualquiera, hecho que deriva en la profundización de una crisis entre clanes, una guerra entre familias, algo que además da inicio a una sub historia, de intereses, miserias personales, dinero que no aparece, tragedias familiares y hasta un touch shakespereano.

Se trata de un guión que sigue la escuela del Tarantino de Pulp Fiction, aunque con una cuña estética más relacionada con la aridez y la falta de saturación de Amores perros, por mencionar otro ejemplo de guión rompecabezas.

Hay grandes momentos, todos relacionados con la violencia, el intercambio de tensiones y el tiroteo de odios cruzados, en algunos casos (o en todos) llegados desde el mesiánico enfrentamiento religioso.

Con una potencia en el texto fílmico apegada a formas narrativas clásicas pero también de cierta posmodernidad hardcore (sin llegar a la violencia explícita) la dupla realizadora le da al film un perfil ligado con el cine de acción, casi de policial con toques dramáticos. Claro que al estar ubicado en semejante polvorín, el coqueteo con el cine de guerra es una constante a lo largo de sus dos horas de cinta.
El resultado, impecable.

* * * *

Daniel Castelo

Buen día, día

2010-04-16T21:34:00.000-07:00

Buen día, día. Argentina. 2010. Dir.: Sergio Cucho Constantino & Eduardo Pinto.

La elección más importante a la hora de un documental es el tema que va a tratarse o, como en este caso, el personaje a retratar. Buen día, día, en ese punto, es indestructible, porque Miguel Abuelo quizá sea uno de los protagonistas más atractivos que haya tenido la historia del rock argentino, marcada a fuego por tres décadas (6o, 70 y 80) en las que se hizo todo lo que había que hacerse, y que lo tuvieron como artista de referencia.

El film retrata a este señor nacido como Miguel Angel Peralta, que fue uno de los fundadores de la movida rock en la patria y que luego de parir Los abuelos de la nada se fugó con su alma a Europa, de donde regresó para la fiebre cocainómana de los 80s.

Un documental sobrio pero no a la piñas, pese a que Abuelo las pegaba (Charly puede dar crédito, aunque no se mencione el hecho en la película). Sus mejores momentos son los que cuentan con documentación de la época. En cambio, las situaciones dramatizadas no funcionan del todo, como si a la historia paralela que se quiso contar le faltaran un par de vueltas para acoplarse a la contundencia de una vida potente y urgente.

Pero también están los testimonios, imprescindibles para redondear el perfil del héroe del film. Y allí están, para contar la historia oficial, Calamaro, Spinetta, Bazterrica, Miguel Cantilo, Cachorro López y Cubero Díaz, entre otros. Además, el hijo de Miguel, Gato Azul, ficcionaliza una búsqueda de señas, señales, rastros, huellas de su padre en la ciudad de Buenos Aires, esa que cada vez que muere un poeta es un poco menos vivible.

* * * 1/2

Daniel Castelo

Dreams Of Lusatia

2010-04-16T17:58:00.000-07:00

Dreams Of Lusatia. Alemania, 2009. Dir: Bernhard Sallman.

Otra de Sallman, uno de los descubrimientos de este Bafici, del cual se están presentando varias este año. ¿De qué va? Un documental sobre la ciudad de Lusatia, lugar particular si los hay, donde la devastadora explotación minera del carbón totalmente desmedida arruinó y arrazó gran parte del paisaje, como también fue modificando la situación laboral de los ciudadanos al punto de que casi la mitad abandonaron el pueblo. Al mismo tiempo hay un grupo de gente interesada en reconstruir la ciudad, una asociación que desarrolla proyectos de arquitectura sustentable mejorando el paisaje, un joven biólogo estudiando los daños que el hábitat natural sufrió, los viejos desempleados que decidieron quedarse en su lugar cuando todos huían a la ciudades linderas, etc.

Es interesante la escena donde el joven biólogo descubre que los lobos son la primer especie en regresar al hábitat de la zona tras la recuperación y se pone metafórico al respecto.

Un reflejo de los nuevos problemas que el devastador modelo económico actual deja y las soluciones sustentables de las cuales el antiguo mundo es pionero hoy. Algo con lo que nos cueste identificarnos seguramente ya que en nuestro país tercermundista los problemas son más inmediatos y las soluciones más primitivas, o por decirlo de otra forma, aún nos cuesta darnos el lujo de preocuparnos por la vista del paisaje por estos lares.

* * *
Fernando Motrel.

El Rati Horror Show!

2010-04-16T17:35:00.000-07:00

El Rati Horror Show! Argentina, 2010. Dir: Enrique Piñeyro.

Finalmente, la última bomba de Piñeyro pasó por BAFICI para demostrarnos lo podridas que se hallan nuestras instituciones (la policial y la judicial) y lo avispados que deberíamos de estar para no caer bajo ciertos tentáculos que se desprenden de ambas.

La Masacre de Pompeya, vista según Piñeyro, resulta en la corrida infernal de un individuo que se muestra asustado ante un Peugeot 504 con personas amenazantes -itaka en mano- en su interior. El individuo acelera su vehículo por que se siente a punto de ser robado, y desde el Peugeot 504 surgen disparos. Diecinueve disparos. Quizá más. Uno de estos disparos le parte la mandíbula. En la corrida, el individuo atropella a personas que mueren tras el impacto. Una vez que su vehículo se detiene, del Peugeot 504 surgen cuatro hombres (¿civiles?) que le disparan aún más tiros. El individuo no muere en el acto, pero muere en vida: Se le imputa resistencia a la Ley, y varios homicidios agravados. Treinta años preso.

Entonces Piñeyro recoge los testimonios, los mapas y las brújulas mientras intenta explicarse los hechos (con esa cuerda tónica que deja retrogusto a envidiable superioridad, cuerda que la mayoría de las veces suele gustarnos) y llega a la inevitable conclusión de que La Masacre de Pompeya fué Masacre, sí, pero perpetrada a raíz de accionares policiales enfermizos.

Provoca cierta clase de incomodidad (cuando no estupor) observar en pantalla ciertas obviedades, y cómo dichas obviedades pasaron desapercibidas (intentamos ser benignos) por los jueces que decidieron con su fallo los próximos oscurísimos treinta años del individuo de marras.

Piñeyro, pues, nos introduce en su mundo ultrapragmático de revisar todos los detalles que hacen ruido (incluso detalles de dicción en Magistrados Públicos que, tras el fogoneo de Piñeyro, nos resultan inadmisibles) y nos ofrece un festival de impunidad en el que un testigo clave que sale por Telefé Noticias asegurando falsedades no es ni más ni menos que un compinche histórico de ciertos bestias que deambulan por la Comisaría 32va.

El Rati Horror Show! no será obligatoria (mucho menos si ya estamos hartos de escuchar una y otra vez lo que ya venimos sospechando hace rato), pero sí sumamente clara en sus postulados. De modo que si queremos seguir envenenándonos con ciertos elementos enquistados en una institución concebida para Servir y Proteger, entonces adelante con este mazazo que, por si fuera poco, incluye momentos de distención muy bienvenidos entre tanta oscuridad.

Los aspectos formales y técnicos del film serán mejor explicados a través del siguiente diálogo, que se sucedió luego de la proyección, entre Piñeyro y un espectador anonadado.

Espectador: ¿Por qué utilizaste el recurso del Cine dentro del Cine, mostrándote en cámara mientras llevabas adelante el proceso de montaje del documental?

Enrique Piñeyro: Por que soy extremadamente narcisista y me encanta verme en pantalla diciendo cosas.

=)

* * * *
Daniel Celina.

La Cinta Blanca

2010-04-16T12:06:00.000-07:00

Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte. Alemania, 2010. Dir: Michael Haneke.

El aclamado film de Haneke que, pese a ser la favorita, se fue con la manos vacías del Oscar 2010, es no sólo una gloriosa entrada más en la filmografía del realizador de Funny Games y Caché, sino acaso su obra maestra. Situada en tiempos apenas anteriores a la primera Guerra Mundial, La Cinta Blanca narra los cada vez menos espaciados exabruptos de violencia en un pequeño pueblo donde todos desconfían de sus vecinos, y actúan ya sea por temor a represalias o por puro odio y venganza.
Haneke hace de éste un nuevo ensayo sobre la violencia, y la retrata de manera seca, fría y contundente: los golpes físicos duelen casi tanto como las agresiones verbales entre sus protagonistas. El narrador en off, quien recuerda todo lo que el espectador ve en la pantalla grande, advierte desde un principio: "no sé si lo que aquí cuento realmente sucedió así, pero en todo caso quizás pueda explicar mucho de la historia de este país". Si no la explica, pega en el palo.

* * * *

Furia de Titanes

2010-04-16T03:58:00.000-07:00

No, no es una equivocación, ni se posteará aquí la crítica del mega-industrial film de Hollywood en este blog dedicado al Bafici, En este post se hablará de aquellos monstruos cinematográficos que cambiaron los quehaceres del cine, y nos legaron sus inmortales obras maestras, recuperadas y re-exhibidas en el marco del festival.

Mientras que las salas del Abasto se ven invadidas de publicidades en relación a dicho film Hollywoodense, paralelo a esto, el Bafici sigue su curso. Este año, su completa programación, permitió exhibir en cine obras, que mas allá de un ciclo en "la Lugones" o el Malba, no se piensan encontrar en una sala comercial: "Strómboli" de Roberto Rossellini y "La via Láctea" de Luis Buñel.

Dentro de la Sección "Panorama-Diálogos" ambos autores fueron programados para dialogar con dos films de realizadores actuales: "Non ricordo il titolo" en relación a "Stromboli", y "Lourdes" en relación a "La Vía Láctea". Los monstruos sagrados y consagrados de la historia del cine en un encuentro mano a mano con los nuevos realizadores del cine independiente. Pasado y presente, mitos y realidades que se unen en el marco del festival.

Quedará a cargo del espectador el decidir si los realizadores actuales estan a la misma altura (o incluso mejores) que sus predecesores, o si como los titánes del séptimo arte en que se han convertido Rossellini y Buñuel, sus obras son imbatibles y su furia implacable.

Paseo

2010-04-16T00:14:00.000-07:00

Paseo. Chile. 2009. Dir.: Sergio Castro-San Martìn.

San Martín cruzó los Andes, pero el viaje de vuelta fue lento y volvió tarde, parece. Todos aquellos tics que la mentada y hoy remanida declaración de guerra de eso que una parte de la prensa se encaprichó en llamar "nuevo cine argentino" están presentes en este trabajo que, si me aseguran que no fue hecho a conciencia para ser distribuido en el circuito de festivales, tendría que suponer que se trata simplemente de un bache en la interesante filmografía que compone el cine chileno de los últimos años.

Porque Paseo cuenta la pequeña historia de un hijo que se reencuentra con su padre, pero apelando una metralla de planos sobreactuados en su desencuadre y a una puesta técnica que resulta forzada en su apariencia de bajo presupuesto, en su refuerzo de la idea de lo indie, del "cine a pulmón". La marca del for export está demasiado a la vista, algo que se subraya en un puñado de actuaciones naturalistas, con una marcación clara en el sentido de llevar a su elenco a la no-interpretación.

Paseo nos lleva por terreno conocido, quizá demasiado recorrido ya como para que en medio de un festival de cine independiente logre levantar algún tipo de entusiasmo. El tufillo a naftalina aparece a poco de comenzar. Y nos acompaña durante todo el, ejem, paseo.

* 1/2

Daniel Castelo

Alderete on BAFICI

2010-04-15T16:25:00.000-07:00

El monstruo sagrado Marcelo Alderete (programador del último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata) se encuentra visitando (disfrutando, padeciendo y transpirando) el presente BAFICI como cualquiera de nosotros y accedió -generoso y displicente- a un simpático Tète-a-Tète con Daniel Celina que probablemente sea añadido como apéndice extraordinario en el próximo numero de Cahiers Du Cinèma.

Daniel Celina: ¿Me decís, según tu punto de vista y hasta este mismísimo instante, las tres Imperdibles y las tres Decepciones del presente festival?
Marcelo Alderete: ¿Nada mas que tres imperdibles y tres decepciones?
D.C: Para hacerlo conciso y no aburrir.
M.A: Je. Bueno... A ver...

LAS TRES IMPERDIBLES SEGúN MARCELO ALDERETE.
1) Leslie, My Name Is Evil. ("Buenísima")
2) Police, Adjetive ("Muy pero muy buena")
3) A La Mar ("Está muy bien")

LAS TRES DECEPCIONES SEGúN MARCELO ALDERETE.
1) I Went To The Zoo The Other Day ("No me gustó")
2) Black Dynamite ("No Me Gustó para nada")
3) Do It Again ("Malísima")

D.C: ...pero Black Dynamite llegó a ser considerada lo más canchero del festival, incluso Zonafreak le dió el Visto Bueno.
M.A: A mí no me gustó.
D.C: Bueno... ¿Y de verdad te parece que Do It Again merece estar entre las decepciones del festival?
M.A: Sí.
D.C: A mi me gustó bastante.
M.A: Me parece perfecto.
D.C: ¿Por qué no incluir Kings Of Pastry de Pennebaker entre las imperdibles?
M.A: ¡Apa! ¡Ésa se me olvidó! Podría estar, ¿eh? ¡Podría estar sin ningún problema!
D.C: ¿Y Monster Road? ¿No te gustó?
M.A: No pude verla.
D.C: No importa, en otra ocasión.
M.A: Seguro que sí.
D.C: ¡Muchas gracias Marcelo! Nos vemos pronto.
M.A: ¡De nada! Nos vemos.

Mr. Alderete es, junto a Armando Bo y Herschell Gordon Lewis, uno de nuestros individuos favoritos. Si no lo amamos, le pega en el palo.

Hacerme Feriante

2010-04-15T14:36:00.000-07:00

Hacerme Feriante. Argentina, 2010. Dir: Julián D´Angiolillo.

Quizá lo más sincero de este sincero film radique en cierto pasaje del mismo al cual no nos atrevemos a catalogar como escena: Un tren de pasajeros cruza a paso de hombre las entrañas de la feria de La Salada mientras un caos que no es tal (por que allí mismo reside su cosmos) hierve en bullicio y parece decidido a ingresar a través de las ventanas del vagón hasta cubrir por completo la pantalla, mas nunca lo hace, en una suerte de respeto mutuo que se dispensa entre realizadores y documentados.

Del otrora popular balneario de agua salada (y helada) ya no queda nada excepto un bienvenido material de archivo que nos expone la gloria de antaño, al menos en cuanto a balnearios se refiere. Hoy por hoy, sobre las glorietas crecen totoras y camalotes, sobre las estatuas hay huevos de Ampularia (caracol lacustre) y bajo las aguas semiestancadas de los piletones se reproducen ranas y escuerzos.

Un poco más allá, una increíble feria (compuesta por tres cooperativas) ofrece desde chips telefónicos hasta tangas, pasando por compilados de películas cristianas en DivX y luces para el arbolito de navidad. En medio de esto, el trajinar diario de un montón de personas de aquí y de allá para las cuales vivir resulta un trabajo auténticamente duro, entre madrugones y empleados estatales que los impulsan a abandonar su condición de feriantes y pasar a formar parte de las cuadrillas que limpiarán, en un supuesto futuro, la arteria principal que hoy día ocupa la feria.

D´Angiolillo no pregunta, no interroga ni cuestiona: Transcurre por allí y nos ofrece un panorama bastante desconocido de esta feria que en ciertos foros internacionales es considerada fenómeno, acompañando en silencio no sólo el momento de hervor de La Salada, si no también los momentos de cocción previos (ropa "trucha" y DVDs "ilegales").

Un documental que se dedica, sencillamente, a documentar. Ni más ni menos.

Mención especial merece el diseño sonoro de Hacerme Feriante: En materia de construcción sonora, este film parece el hermano intenso de la Hiroshima de Pablo Stoll, lo cual además de meritorio es sumamente auspicioso.

* * * *
Daniel Celina.

Varese: The One All Alone

2010-04-14T22:24:00.000-07:00

Varese: The One All Alone. Holanda, 2009. Dir: Frank Scheffer.

Frank Scheffer describe (en la antesala de la proyección) haber descubierto a Varese garcias a Frank Zappa, de quien también se esta presentando un documental en esta edición del bafici. Como si semejante cita no fuera suficiente, describe a continuación no sentirse mas interesado en documental musical alguno, puesto que ya había hecho uno del mejor; con Varese cerro el círculo.

Ante tales hábiles palabras uno no puede evitar adentrarse en el film en cuestión bastante sugestionado, pero no se sentirá engañado en lo más mínimo.

Con los respetuosísimos relatos de su ya no joven aprendiz Wen Chung y un grupo de musicos de renombre tirandole flores a más no poder, nos sumergimos en Varese. No en sus traumas, fobias u obsesiones, sino en su vida musical, una inmersion sonora. Con una gama de imágenes de lo más variada y sublime, que transcribe gratamente al lenguaje visual lo que estamos escuchando (misión dificil si las hay si tomamos en cuenta que Varese era considerado como el artista que supo aplicar la teoría de la relatividad de Einstein a la música).

Inevitablemente de este filme se desprenderán dos experiencias bien diferenciadas, los que ya conocían la obra del autor y los que no. Quienes ya eran admiradores pueden quedarse tranquilos y sentarse a disfrutar del mas exquisito homenaje cinematográfico que puedan imaginarse y quienes no, afortunados también porque podrán abandonar la sala probablemente repitiendo la frase de John Cage: Varese cambió mi mente sin introducir ideas en ella.

* * * *
Fernando Motrel

Black Dynamite

2010-04-13T23:34:00.000-07:00

Black Dynamite. EE.UU. 2009. Dir.: Scott Sanders.

El blaxplotation bien entendido empieza por casa, por la Casa Blanca, podríamos decir. Pero no, vamos al humor retro y felizmente idiota de Black Dynamite, una humorada de aparente trazo grueso, pero tan efectiva en su impronta pop-vintage que es puro disfrute, desde los títulos de crédito hasta cada uno de los gags que la componen y descomponen.

El film de Scott Sanders narra una pequeña historia ligada a todos esos clichés sobre la negritud que se han realizado a lo largo de los últimos 20 o 30 años (delito, tetas, prostitución, ritmo, drogas). Con una estética enclavada en el cine de los 70, el funk es el pentagrama sobre el que se escribieron las continuas canciones de acción, violencia y humor que arman el film, con afro y pantalones pata de elefante incluidos, por supuesto.

Chicas tetonas, narcos, policías corruptos, pistolas humeantes, referencias al swing, al soul y a los narcóticos son la base de un guión que, no por su pátina tontuela, deja de ser ajustado e inteligente en su concepción.

¿La gran apuesta pop del Bafici? Quizá. Y quizá también la película que mejor representa la imaginería de la sección Nocturna, que este año se tornó demasiado seria para el gusto freakkie, acostumbrado a un tono más podrido que el que se presenta en esta edición del festival. Como sea, Black Dynamite es un tiroteo de pop-corn, incorrección (light) y comedia de la buena. Y sin cortar.

* * * *

Daniel Castelo

The Haunted World of El Superbeasto

2010-04-13T22:14:00.000-07:00

The Haunted World of El Superbeasto. EE.UU. 2009. Dir,: Rob Zombie.

Rob Zombie, uno de los pocos tipos del cine bizarro posmoderno que tiene algunas cosas para decir y con estilo propio, debuta en el Bafici con su primer largo de dibujos animados, casi casi lo mejor de su factoría.

El film, metido de lleno en el pantano del humor freak y zarpado todoterreno, cuenta esta historia salida de los comics creados por Mr. Rob, la de un hombretón con máscara de luchador mexicano, super(anti)héroe clase B, actor porno y catástrofe andante que no sólo se tumba a toda fémina que se le cruza, sino que además tiene tiempo para combatir a los malos más malos y de paso destrozar lo que se le ponga delante.

Zombie afiló el lápiz y la partida le salió mejor que sus recientes y fallidas incursiones en la saga Halloween (esa que debería haber quedado como estaba) y casi al mismo nivel que su gran opus hasta el momento: House of 1000 Corpses.

Con el nivel de absurdo y demencia cartoon esperables, y con una deuda al ritmo made in MTV en lo que refiere al montaje, la película acierta en todos los rubros por los que pasa e ironiza y pone en juego un nivel de acidez apto para adolescentes nada desdeñable. Es decir, vamos con Rob, que no es ponja.

* * * 1/2

Daniel Castelo

The Agony and the Ecstasy of Phil Spector

2010-04-13T16:18:00.000-07:00

The Agony and the Ecstasy of Phil Spector. EE.UU, 2009. Dir: Vikram Jayanti.

El individuo no tiene ningún inconveniente en sugerir (suavemente tensado por su entrevistador) que la frase I don´t believe in Zimmerman que suena en la God de John Lennon es básicamente de su autoría. Insiste en que no soporta mucho a Bob Dylan y traza un recuerdo de su escuela secundaria, en la cual era atocigado física y mentalmente por muchachitos de clase media acomodada. ¿La solución? Enseñarles música a los rudos integrantes del equipo de Fútbol Americano de la escuela a cambio de "protección".

Phil Spector siempre intentó mantenerse protegido, incluso cuando se animó a agregar coros femeninos en una canción de The Beatles (The Long and Winding Road), algo tan novedoso como improbable en una canción de los Cuatro Fantásticos. No le importó la consecuencia, amén de la ira de Sir Paul McCartney.

Tampoco le importó aportar su visión de lo acaecido en su mansión aquélla noche en que la actriz Lana Clarkson amaneció sin vida y con un agujero en el cráneo. Spector concede la entrevista que da forma a éste film dos meses antes de la etapa final del proceso judicial que lo ubicaba como el asesino de Clarkson, pero no emite el más mínimo comentario al respecto. Sí emite opinión (válida si se desea, considerando su aporte a los procesos de postproducción sonora, que no es menor en ningún sentido) respecto a Brian Wilson, Lennon, Scorsese (*), Tony Bennett, Dylan, Bush, Tina Turner, George Martin, Robert DeNiro y 517 personalidades más, las cuales se vieron involucradas en la trayectoria del creador de Be My Baby.

Jayanti se muestra respetuoso con Spector jugando de local (la entrevista se sucede en su mansión) y omite elaborar un cuestionario respecto a la dudosa muerte de Clarkson, pero para no caer en la entrega contínua del bien ganado parloteo narcisista de Spector (interesante de todas formas), nos muestra escenas auténticas del juicio y la labor de prosecutores y fiscales intentando encontrar cauce a una muerte demasiado dudosa.

Con pasajes decididamente chistosos (Spector justificando cierto frenético peinado suyo, por ejemplo) The Agony and the Ecstasy of Phil Spector resulta por demás interesante. Y nos deja con una duda, aquélla duda que ni siquiera un Honorable Juez de la Corte Suprema fué capaz de discernir, declarando nulo un juicio que luego fué retomado por otras gentes y con otros resultados y sentencias.

* * * *
Daniel Celina.

(*) Genial y muy poco conocida cierta anécdota relacionada con la secuencia de créditos de Mean Streets, que contiene la canción Be My Baby.

Yuki & Nina (2009)

2010-04-12T19:21:00.000-07:00

Yuki & Nina. Francia,2009. Dir.: Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot

Punto notable de la "Quincena de los realizadores del festival" de Cannes pasado, con la escencia del film Cuenta Conmigo, y la suma del estilo de cine Oriental por un lado y Francès por el otro, este film se ha convertido en un must del festival, pues ha agotado las tres proyecciones que de él se hacian.

Sin embargo conviene advertir tanto a los amantes del cine francès y del cine japones por igual sobre la temporalidad que maneja y el estilo de la representación, pues podría calificarse como un film francés que cuenta una historia japonesa o un film japones que cuenta una historia en la que se habla en francés.

Es un claro exponente del cine naturalista al mejor estilo Rohmer que nos cuenta la historia de la amistad de estas dos niñas provenientes de hogares fragmentados. Yuki, cuyos padres estan a punto de divorciarse y pronta a irse a vivir a japón con su madre. Nina vive con su madre pero pasa sus veranos en la casa de su padre en las afueras de París.Ambas encontraran una forma de mantener su amistad intacta mas allá de la vida (y los problemas) de los adultos. Pese al naturalismo propio de cierto cine francés y compartido en parte por el cine oriental, el realismo mágico propio de la cultura nipóna tambien tiene su lugar en el film, y es que además de tener claramente dos realizadores: Nobuhiro Suwa (japonès) y Hippolyte Girardot (Francès), el film podría dividirse en dos partes bien claras, una francesa y la otra japonesa. Una mas realista y la otra más metafórica.

Las niñas protagonistas son adorables, y esperemos que cual Jean Pierre Leaud de Los 400 Golpes, mantengan su estrella en el cine francés o nipon. Yuki (Noë Sampy) es tan entrañable que parece la version carne y hueso de Heidi, y Nina (Arielle Moutel) una version en miniatura de Julie Delpy. Lo cierto es que los niños suelen robarse la atención en las películas, especialmente en relación a los adultos, actores profesionales que se esfuerzan, pero por mas que lo intenten, todos sabemos que esta es la película de Yuki y Nina, de Japón y Francia.

La película mas adorable del Bafici pero sobre la que estan más que advertidos si detestan los tiempos prolongados, el naturlalismo, y sobre todo el realismo mágico oriental.

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Jimena Patiño

400 KM Brandenburg

2010-04-12T14:35:00.000-07:00

400 KM Brandenburg. Alemania, 2002. Dir: Bernhard Sallman.

Caminante no hay camino, se hace camino al andar. Bajo esta premisa Bernard Sallman emprende una epica caminata por un buen trecho de una Alemania olvidada filmando lo que su entorno le va sugiriendo, su ojo va improvisando con la cautivacion inmediata y nos regala poesía fílmica abstracta en blanco y negro.

Éste es de esos films que encierran su propio lenguaje visual, y cuesta entrar en el clima propuesto por esta camara en mano constante, pero probablemente nos ponga en evidencia que eso es problema nuestro y no uno menor precisamente. Si logramos domar a nuestro cerebro lo suficiente como para que suspenda el habitual ejercicio de buscar refugio en algun lugar comun, quizá nos percatemos de que algo casi mágico esta sucediendo:

1) La ventanita para espiar otro universo se abrió, pero se mueve constantemente.
2) La cámara desaparece a pesar de estar evidenciada.

Expresionismo alemán de escuela.

* * * *
Fernando Motrel

Das Ist Alles (That´s All)

2010-04-12T14:29:00.000-07:00

Das Ist Alles. Austria, 2001. Dir: Rainer Frimmel / Tizza Covi.

Yásnaya Polyana es una region de la ex unión sovietica que tiempo atrás fue invadida por los alemanes durante la guerra. Al marcharse éstos (su gran mayoria) se vio totalmente diezmada e hizo un pedido de colonos que quieran asentarse en el lugar y trabajar para reconstruirlo. Acudieron a este llamado la mas variada gama de inmigrantes de lugares como Kazajistán, Azerbaiyán o Siberia. Son ellos, los colonos, los protagonistas del documental que nos invitan a sus hogares y nos narran como es vivir alli mientras realizan sus quehaceres diarios.

Es increiblemente grato encontrar un relato tan distendido sobre un país típico de Europa del Este, donde las heridas de las guerras parecen no cicatrizar y donde estamos más acostumbrados a ver imagenes grises y climas pesados. ¡Allí la vida continúa, señores, a todo color!.

Como hace 100 años atrás, tomando agua de pozo y alimentándose de los animales que crían y de las cosechas familiares; sin problemas inventados como los nuestros, hijos del aburrimiento burgués.

Eso es todo lo que tengo para decir. That´s all, dice mas de uno de los pueblerinos al narrar su historia, derrochando sabiduría de simpleza por doquier.

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Fernando Motrel

Piñeyro

2010-04-12T12:24:00.000-07:00

Gracias Enrique Piñeyro por ese corto institucional que le trajiste al Bafici, el mejor de los últimos años quizá. Quizá tu carrera haya comenzado aquí. Aquí en este festival en del que surgen grandes respuestas a esa constante pregunta sobre dónde hay un cine, viejo Gómez, dónde hay un cine que valga la pena ver sin morir en el intento. Intento recordar otro corto que me pudiera haber conmovido más que Nieves del tiempo en los doce años que lleva el Bafici, y no lo encuentro. Encuentro, sí, el hallazgo de una confirmación: sos uno de los grandes realizadores del cine argentino, con ideas, pasión y, sobre todo, una destreza inquebrantable a la hora de llevar a imagen un guión, una historia, una trama.

Parte del Bafici 2010 ya quedó saldado con este pequeño gran trabajo de este tipo que, además, también con un toque de viveza y sentido de la ocasión, se ubica en la lista de los candidatos a dirigir la gran histori(et)a argentina que hasta ahora no recaló en la pantalla grande.

Recordando Hits del Bafici 2009

2010-04-11T23:14:00.000-07:00

Diferentes interpretaciones sobre el institucional de Lisandro Alonso
Lo que nos dejó el ave de rapiña inmortalizada por el director de Liverpool.

1) Ofrece la provocativa imagen de una lechuza inmóvil frente a la cámara, con ritmo marcado por Domingo Cura (una metáfora a propósito de estos once días, para los cinéfilos, sin lunas ni soles. (Anónimo -¿Battle? ¿Mighetti? ¿Graña?-) La Nación.

2) El corto de un estudiante de cine argentino. Primer plano de una lechuza que respira y mira a cámara sin parpadear. Pasan los segundos y la lechuza sigue respirando. Hay una tensión que no se desata: la lechuza respira y mira fijo a cámara. Y así hasta el final, durante casi tres minutos. Nicolás Mavrakis, Noticias (simpáticamente toreado por Osvaldo Bazán en Crítica)

3) Lo peor hasta el momento: La lechuza del institucional de Lisandro Alonso. Mucho Cannes, pero para el spot no puso un gramo de onda. "Godardista" en Otroscines.com

4) La lechuza representa al adolescente promedio que va al cine y se queda todo el día mirando películas... por que algo es seguro: Al otro día no tiene que ir a trabajar ni a hacer compras, como hace la gente normal. Martín "Pantera" Seoane, 30 años, editor de sonido de Jesús El Heredero.

5) El corto de la lechuza y su mirada amenazante nos demuestra en cierta forma que en un par de años las lechuzas van a conquistar el planeta tierra y van a esclavizarnos a todos. Guillermo Gatti, editor de Todo x 2 Pesos (ciclo ATC), 29 años.

Prometheus´ Garden / Monster Road

2010-04-11T22:46:00.000-07:00

Prometheus´Garden. EE.UU, 1988. Dir: Bruce Bickford. Monster Road. EE.UU, 2004. Dir: Brett Ingram.

Unas formas raras confeccionadas con lo que parece plastilina se van moviendo y formando las palabras Prometheus Garden en pantalla. A esto le suceden 30 minutos de un intenso viaje psicodelico o surrealista de stop motion. Cualquiera sea de las 2 opciones o estamos en presencia de una pesadilla o de un mambo negro producido por unos acidos en mal estado. Un sinnumero de personajes de situacion desfilan unos tras otros entrando y saliendo de escena, deformandose solo como la nobleza de su material les permite y al compas de sonidos estridentes y experimentales.

A no desesperar, las respuestas a nuestro calvario se sucederan en los 80 minutos próximos ya que a su termino se proyecta Monster Road, el documental en donde entendemos de que mente enferma proviene todo ese delirio que nos hizo espiar al de la butaca de al lado (mas de una vez) para ver si esto le afectaba tanto como a uno y probablemente nos quedamos tranquilos al ver que el estaba haciendo lo mismo con el del otro extremo. Bruce Bickford supo tener sus 5 minutos de fama en los 70s trabajando con Frank Zappa y hoy se encuentra unos cuantos años después haciendo exactamente lo mismo: Animando. Una vida dedicada a esas peculiares maquetas de stop motion que construye, a una escala y fluidez que son su marca registrada. Nos adentramos en su intimidad para descubrir, entre otras cosas, a su padre (quien bien podria tener pelicula aparte), un ingeniero ya retirado con Alzheimer, que tuvo sus días de gloria trabajando para Boeing inventando dispositivos para la Segunda Guerra Mundial. Bruce nos invita a su mundo privado que se refleja en cada uno de sus cortos animados, cada obsesión y cada trauma de su vida personal cobra vida en cada una de sus animaciones.

Es inevitable la comparacion con The Devil And Daniel Johnston, donde lo mismo parece suceder con el protagonista; todo misterio del “artista” en cuestion parece develarse y tener una explicacion racional o freudiana. Parece que la modernidad, la globalización y el neoliberalismo han dejado sólo un lugar para los artistas sensibles inmasificables: La reclusión. ¿El artista hermitaño crea y produce a pesar de su incapacidad para reproducir normalidad o gracias a ella? En una escena Bruce explica cómo dejo su trabajo en el supermercado, argumentando que le robaba todo su tiempo, llegaba a su casa cansado y ya no tenia ganas de crear.

Quizá lo mas peligroso de estos locos artistas, lo que tanto tememos, es que a veces evidencian cruelmente la normalidad ajena.

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Fernando Motrel.

Applause

2010-04-11T22:33:00.000-07:00

Applause. Dinamarca, 2009. Dir: Peter Zandlievt.

Borracha, histérica, desequilibrada. Thea deja sin aliento a quienes la ven sobre el escenario pero es incapaz de conectarse realmente con nadie debajo de él. El esteretipo de la actriz complicada explotado con un flujo real de tiempo y fotografia refrescante. Una artista cuarentona queriendo rearmar su vida y el lazo con sus hijos con los escombros que su adicción al alcohol le dejó de lo que alguna vez fue su hogar.

Esta falta de empatía del personaje para con su entorno se contagia fácilmente al ojo espectador, donde por momentos se vuelve tortuoso espiar la intimidad de esta persona con quien difícilmente nos identifiquemos. Es bajo este marco, donde no nos imponen un personaje que deba emocionarnos, donde surgen actuaciones interesantes y se respira un aire fatídicamente real.

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Fernando Motrel.

The Robber

2010-04-11T20:12:00.000-07:00

The Robber (Der Räuber). Alemania/Austria, 2010. Dir: Benjamin Heisenberg

Un lema que podría definir y caracterizar el espiritu de este film es el de "Just Do it", porque además de ser el slogan de las zapatillas que Hans, el protagonista, utiliza para sus maratones, podemos decir que es el lema que tambien aplica en el resto de su vida como ex convicto y ladrón de bancos en la ciudad de Viena.

Basada en hechos reales, pero adaptada de una novela, este film se narra desde la perspectiva de un ladrón muy particular. Sin profundizar en su psiquis, ni tomar partido moral al respecto, Heisenberg nos cuenta la historia de Hans que roba, corre, corre y roba, sin poder deternerse siquiera para gastar el dinero que roba. ¿Impulsivo, emfermo psicológico o tan solo un mero criminal?

Lo que no falta en este excelente film, es la adrenalina, y la acción reguladas de una manera muy personal. Un film de temporalidad lenta en el que la acción irrumpe repentinamente, como una tormenta. Escasos dialogos, y muchas persecusiones, para un film que podría ser la respuesta pos-moderna a "Sin aliento" de Godard. Lo cierto, es que muchas veces el espectador se va a sentir fatigado de ver todo lo que corre Andreas Lust, y la excelente interpretación que aporta, incluso desde su inexpresiva máscara que se confunde con su rostro, mientras trata de seguirlo en su travesía, hasta el final de su escapada.

Es remarcable el trabajo desde montaje y sobre todo desde la banda sonora. Super fragmentada por momentos y llena de musica diegética y extradiegética (desde tecno hasta ópera) que se funde con los sonidos ambiente, imponiendo ritmo y complementando lo que ya se ve desde las imágenes. Una banda sonora que nos recuerda a esa otra película alemana en donde una chica de cabellos rojos, llamada Lola, también corria bastante por las calles de Berlin.

Uno de los excelentes e imperdibles exponentes de la competencia internacional.

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Jimena Patiño

Kings of Pastry

2010-04-11T14:01:00.000-07:00

Kings of Pastry. EE.UU/Reino Unido, 2009. Dir: Donn Alan Pennebaker & Christine Hegedus.

Hacía tres años que no recibíamos un Pennebaker/Hegedus en BAFICI. Bienvenido pues este retorno, centrado en documentar el bestial coté del máximo galardón en la pastelería francesa, la versión ruda de Ratatouille.

Porque más allá de lo cool que pueden resultar las patisserìes de Lyon y la música de Django Reinhardt, aquí lo que pesa es un aparatoso discurso de Sarkozy (rodeado de agentes) alabando los esfuerzos extremos de los pasteleros que se animan a trancurrir casi una semana sin dormir con tal de generar el pastelito perfecto y el centro de mesa comestible menos endeble para alcanzar la caricia gubernamental de ser condecorados como el "Maestro Obrero de Francia".

Entonces acudiremos a los menesteres de estos maestros, que se parten el cráneo cuando se les quiebra un merengue ó se les oscurece demasiado una crema chantilly, todo bonitamente retratado por la cámara y acompañado por la música de marras comentada en el párrafo anterior.

Si la gula no nos nubla la razón ante tanto profiterol sofisticado, observaremos en Kings of Pastry la ansiedad de los aspirantes y las indicaciones poco claras de sus entrenadores, el replanteo en mitad de la competencia y deseo de dejar de lado todo a mitad de camino, sumado a la pomposidad característica de los maestros de ceremonias y a la sensación inequívoca de que aquéllo por lo cual parecería morir cualquier pastelero francés a fin de cuentas quizá no sea del todo preciso para continuar adelante.

Sobre todo en un mercado como el de la dulzura, aunque sea dulzura comestible.

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Daniel Celina

P.D: La analogía con Ratatouille no es gratuita, pues uno de los aspirantes al máximo galardón es igual a Linguini. Dicho aspirante generará quizá el momento más crítico de este gran documental de una dupla que a esta altura podríamos considerar imbatible.

Signers Suitcase

2010-04-11T13:29:00.000-07:00

Signers Suitcase – On the way with the artist Roman Signer. Suiza, 1995. Peter liechti

Roman Signer es quizás uno de los artistas más atípicos y controversiales de la década del 90, y esto se debe sencillamente a que es uno de los pocos que se ha atrevido a hacer instalaciones con pirotecnia. A decir verdad su trabajo se encuentra entre la delgada línea de la escultura y la performance, ya que por momentos lo que hace parece más un show que otra cosa, y además la única manera de apreciar su obra es a través de la cámara de Peter Lietchi (o presenciando sus actos, claro, aunque se complica cuando los realiza por ejemplo junto a las lavas del Vesubio).

Los experimentos de Signer van desde el lanzamiento de sillas por las ventanas de una casa hasta el intento de hacer volar una mesa con proyectiles en sus 4 patas. Dicho esto bien podríamos concluir que el suizo es una suerte de Jackass Europeo pero con más pretensiones artísticas.
He aquí una exquisita demostración de la obra de Roman Signer:
http://www.youtube.com/watch?v=35iYo0LOrVI

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Off the record: Música en y para el BAFICI

2010-04-11T13:11:00.000-07:00

5 canciones para escuchar durante el Festival

1- Lola - The Kinks (Do It Again)
2- Power to the People - John Lennon/Plastic Ono Band (The Agony and the Ecstasy of Phil Spector)
3- Titties & Beer - Frank Zappa (Frank Zappa: A Pioneer of the Future of Music)
4- Mr. Tambourine Man - Bob Dylan (Os Famosos e Os Duendes Da Morte)
5- Yoda - Weird Al Yankovic (Do It Again)

Mary and Max

2010-04-11T12:45:00.001-07:00

Mary and Max. EEUU, 2009. Adam Elliot.

Después de la multipremiada trilogía clay-motion de Brother, Uncle y Cousin, y el ganador del Oscar a mejor corto animado Harvie Krumpet, Adam Elliot explaya los teman que le obsesionan en Mary and Max, sintentizando sus cuatro pequeñas obras en un enorme film de animación que no tardará -si es que acaso ya no lo hizo- en germinar su status de film de culto.

La historia sigue a Mary, una niña inocente procedente de una familia disfuncional, que un buen día tiene la idea de escribir azarosamente una carta a Estados Unidos para ver si alguien contesta sus dudas acerca de la vida. Quien recibe la carta es Max, un ermitaño sociofóbico que, lejos de poder responderle, parece tener aún más dudas que la niña. De esta relación a distancia surge una amistad tan inexplicable como entrañable, que terminará en un final que se ve venir pero no por ello resulta incorrecto ni trillado, sino todo lo contrario.

Es que Mary and Max es todo lo que el otrora realizador de cortometrajes venía prometiendo, y un poco más: al margen de que por obvias razones (el film está distribuido por Icon, la productora de Mel Gibson) la animación resulta superior, el guión delinea a la perfección personajes que, gracias a sus múltiples defectos, se vuelven tan tristes como queribles. La técnica animada encuentra además en su fotografía casi monocromática contrastes que aportan a la narración del film una metáfora lógica pero acertada: la calidez visual de Australia (Mary), contra el gris al 18% de NY (Max).

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36 vues du Pic Saint Loup

2010-04-11T12:41:00.000-07:00

36 vues du Pic Saint Loup. Francia, 2009. Jacques Rivette.

Amor, desamor, traición, regreso, pasado y circo. Básicamente, estos cinco ¿temas? pueden definir la obra de Rivette, que en prolongados pero nunca monótonos silencios narra el regreso de una equilibrista a un amor que, paradójicamente, terminó accidentalmente quitándole otro: el de su pareja, también artista circense. Pero describir la trama de 36 Vues... en breves líneas resulta tan dificil como innecesario: el film, por momentos de característica más bien coral al estilo Altman, y por otros abiertamente teatral, es un compilado de grandes performances y una emotiva historia que se aleja por completo del estereotipo de freaks de circo, y se concentra en el aspecto humano de estos atípicos artistas.

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Leslie, My Name is Evil

2010-04-11T12:16:00.000-07:00

Leslie, my name is evil. EEUU/Canada, 2009. Reginald Harkema.

Mucho se ha dicho acerca de Charles Mansons y sus delirios de mesías satánico, pero no tanto se ha hablado acerca de sus fieles secuaces: las famosas "chicas Manson". Leslie, la malvada del título, es la que, en palabras del "lider", era la que "estaba más buena".

Harkema busca con su film acercarse a la vida de estas muchachas seducidas por su majestad satánica, y comprender qué les pasaba por la cabeza -¡o qué NO les pasaba para cometer los actos que cometieron!, pero se queda a medio a camino entre un aproximamiento que recuerda en más de un aspecto al Natural Born Killers de Oliver Stone. Puede criticársele al realizador su ambigua simpatía que otorga a las protagonistas (especialmente a Leslie, claro), pero lo más objetable no es esto sino el tono "canchero" que parece adoptar en momentos donde algo de seriedad hubiese sido mucho más interesante. Recientemente, a propósito de su estreno limitado en Estados Unidos, el director dialógo con el National Post, atajándose al declarar "no creo que sea peligroso hacer un film de este tipo en una cultura que recientemente tuvo como gran éxito un film que usaba el Holocausto como pretexto para filmar torturas y venganza". Si bien acierta en que lejos está su film de resultar "peligroso" o controversial, puesto que los interrogantes que plantea resultan un tanto obvios y fáciles, se equivoca en un aspecto fundamental al hacer su analogía cinematográfica: Tarantino, por más que entretenida, no dirigió una comedia (y condena, desde el mismo título, a sus protagonistas). Y Leslie... , mientras que por un lado tiene un comienzo promisorio que parece querer indagar en el psiquis de las chicas, termina cayendo en artilugios del montaje cool y el grotesco doble subrayado, y la famosa frase "fuimos todos" que, cierta o no, no encuentra demasiada justificación en su contexto fílmico.

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Summer Wars

2010-04-11T06:33:00.000-07:00

Summer Wars. Japón, 2010. Mamoru Osoda

De Akira Toriyama (Dragon Ball) a Hayao Miyasaki (Estudios Ghibli), la animación japonesa supo destronar -o al menos, quitarle por un rato la corona- a Disney, realizando clásicos hoy mundialmente reconocidos como Mi Vecino Totoro (Miyasaki) y La Tumba de las Luciérnagas (Isao Takahata). La anime-manía encontró un merecido lugar en el corazón de los occidentales, y así innumerables productos animados repletos de ojos grandes y Pikachus varios invadieron las pantallas televisivas y, claro, también cinematográficas.

Summer Wars es un film del realizador Mamoru Osoda, que se inscribe en el terreno de la ciencia-ficción-hiper-tecnológica, pero a la vez aborda temas como la familia, en tiempos de redes sociales que hasta pueden terminar incomunicándonos -cuando no, matándonos a secas.

Sin la violencia manga de otro clásico de culto como Ghost in the Shell, Summer Wars hace un acertado analisis de los peligros que implica el voyeurismo absoluto de la web, así como la importancia de no estar solo frente a las puertas del armagedon. Un film especialmente pensado para otakus y freaks varios, pero que también entretiene a quienes no son precisamente habitués de la factoría de animación nipona.

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El Sol

2010-04-11T06:12:00.000-07:00

El Sol. Argentina, 2010. Ayar Blasco

Hace ya casi 10 años se estrenaba en la Argentina un film de animación que se repartía entre ciencia ficción y absurdo una buena cantidad de delirios. El film en cuestión era el otrora televisivo Mercano el Marciano, que llegaba a las salas porteñas en medio del pico de la crisis local, allà por el 2002. Sus directores, Juan Antín y Ayar B. , afortunadamente encontrarían un razonable éxito con su película en el extranjero. Pasado el estreno, los premios y el reconocimiento (el film se vio reiteradas veces en la pantalla de I-Sat y se editó en dvd), sus autores se separaron y emprendieron su carrera "solista". Juan Antín abordó un proyecto animado que narra la crudeza de las invasiones españolas a nuestras pampas (Los Dioses de Lata, aún inédito), y Ayar se desprendió de la poca coherencia narrativa que implicaba Mercano, y se dedicó a su web chimiboga, donde florecieron las ridículas historias del "Ratón Disney" (sic), y hasta relatos costumbristas protagonizados por el mismísimo Bugs Bunny. De esta factoría de absurdos sale El Sol, un film completamente realizado ¡en Flash!, con un humor tan irreverente como deliciosamente estúpido.

Rompiendo todos los esquemas de una estructura lineal de guión, y hasta burlándose de sus propias falencias (los créditos en un punto se adelantan al final de la película y luego desaparecen para continuar con la acción), la película hace gala de voces de conocidas como Sofía Gala y El Dr. Tangalanga, haciendo lo mejor que sabe hacer: putear.

Revelar la trama de El Sol resulta una tarea tan árdua y dificil como explicar el significado oculto del más abstracto y poético de los films del BAFICI, pero sí puede decirse que quizás estemos ante una incursión más del director en el subgénero "post-apocalíptico" (pues ya Mercano tenía algo de eso).

Un deleite para los amantes de los chistes sin demasiado sentido, dispuestos a disfrutar de incoherencias semi-narrativas, más cerca de internet que del cine.

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Do It Again

2010-04-10T23:57:00.000-07:00

Do It Again. EE.UU, 2010. Dir: Robert Patton-Spruill.

Después de escuchar 273 veces You Really Got Me y Lola (entre otras delicias de antaño), el crítico musical del Boston Globe decide que la Humanidad merece contar con el regreso definitivo de The Kinks a los escenarios, por que (según él) Franz Ferdinand y yerbas similares no podrían existir hoy en día de no ser por las melodías que supo escribir Ray Davies.

El problema es que Ray Davies no tiene problema en reunirse con todos los ex-integrantes de The Kinks excepto uno: Su hermano Dave. Existe allí un problema fraternal con lustros de irresolución que se presenta imposible de subsanar.

De modo que nuestro antihéroe emprenderá una gesta quizá innecesaria (es notable la cantidad de popes que insisten en convencerlo de que los Hnos. Davies no podrán amigarse jamás) pero no por eso menos entretenida, aunque en determinadas ocasiones la insistencia del muchacho en cuestión resulte un auténtico dolor de ovarios para el entrevistado. Dicho dolor de ovarios puede traducirse sin problemas en el espectador como un paso de comedia repetitivo y al mismo tiempo novedoso, pues en la búsqueda de su objetivo, Do It Again enfrenta al crítico musical con un rosario alucinante de personalidades que si bien no idolatran a The Kinks, los respetan y admiran con una intesidad bastante sorprendente.

El desenlace de Do It Again no es el más feliz en términos clásicos, pero genera un regocijo reparador y un deseo de que el muchacho en cuestión recapitule el anecdotario acumulado durante el proceso y agradazca al cielo haber tenido la chance de, por ejemplo, zapar cierta canción con cierto monstruo (te arruinamos el film si te contamos quién es).

Basta observar la mirada y la dicción de Dave Davies para comprender el grado de separación que mantiene con su hermano Ray y la imposibilidad de que Do It Again concluya con un megarecital de The Kinks, pero después de lo bailado, es lo que menos nos interesa.

Este film "de búsqueda" es como Los Rubios, pero lleno de gags y buena música.

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Daniel Celina.

Putty Hill

2010-04-10T11:16:00.000-07:00

Putty Hill. EEUU, 2009. Dir: Matt Porterfield. En Competencia.

El inefable catálogo del presente festival introduce en la sinopsis de Putty Hill una máxima de Lebrero que dice algo así como "...por algo se inventaron los velorios". La respuesta freak y didáctica al suspiro de Lebrero indica que los velorios tal y como se conocen hoy día (dejando de lado el hecho de honrar y llorar al tomuer en cuestión) se impusieron para que no queden dudas de que el difunto de hecho está difunto y no está sufriendo catalepsia ó coma-cuatro ó cualquier otro estado extraño que lo despierte horas después de su muerte clínica en la desesperante situación de hallarse encerrado en un ataúd en situación six-feet-under, sin poder gritar ni escaparse.

Lamentaremos, pues, que el film de Porterfield no se detenga en ésa simpática característica del velorio. Por que el film en cuestión decide centrarse, con todo derecho, en otro mambo: El deceso de un muchacho por sobredosis y el transcurrir de sus afectos que aún siguen con vida y hallan en el velorio (y la previa del mismo) el caldo de cultivo perfecto para llorar, gritar, llamar la atención, quedarse chito, tragarse el llanto, dialogar, pelearse, pasarse un par de facturas mutuas, lanzarse miradas sugestivas y todos los etcéteras que ustedes deseén agregar, alejados de los atentos párpados (cerrados y pegados con La Gotita) del difunto en cuestión. Pispear dichas situaciones puede resultar atrayente para ciertos individuos, de modo que Putty Hill puede tanto agradar como pasar desapercibida ó generar encono, dependiendo del grado de despojo ó lejanía que encontremos en estas inevitables citas con la pompa de la muerte.

Todo el tiempo parecen inventarse nuevas formas de torcer una narrativa como sea con tal de cuadrarla en el nuevo pseudogénero docu-drama, si es que ya se lo puede autentificar como tal. Lo que sea necesario para salir de los lugares comunes hollywoodenses, esa parece ser hoy (al menos en gran medida) la premisa del cine independiente.

Aquí el autor llega al punto de entrevistar a los personajes de cuando en vez, si conocían o extrañan al ausente Corey, fallecido de sobredosis días atrás. Así, como jugando a entrometernos y a tomar distancia de ese lugar olvidado en el tiempo, vamos negociando con la cantidad de información a la que tenemos acceso y la cámara desaparece por momentos para ser testigos de hechos insignifcantes y edificantes a la vez, en la cotidianeidad de una familia devastada ya tiempo atrás de esta tragedia.

Cabe remarcar la similitud de estos pueblitos norteamericanos con muchos de los que aquí tenemos en el interior del país, o de la General Paz para allá. Lugares donde reina la desidia y los jóvenes parecen abandonados en un limbo, estancados, olvidados por la modernidad. Víctimas que aún acarrea probablemente un modelo de industrializacion fallido. Bajo este estado de cosas, familia disfuncional, ocho meses en la cárcel por posesion de marihuana y muerte de sobredosis ya no suenan a capricho argumental, sino a una aguda lectura de la realidad.

* * 1/2 / * * * *
(Daniel Celina / Fernando Motrel)

Ximaojia Universe

2010-04-10T09:14:00.000-07:00

Ximaojia Universe. China, 2009. Dir: Mao Chenyu.

Los integrantes de la aldea Ximaojia parecen tener dos aficiones puntuales (además del cultivo de arroz y la alfarería): Las apuestas en general y la Esciomancia. Esta última comprende una práctica increíble a través de la cual los Maestros de Ceremonia logran contactar fantasmas y espíritus a través de grafías en arena. Los instrumentos religiosos para realizar dichas grafías son dos pequeños troncos de caoba que ofician de nodo entre los médiums y el lienzo. Nada más lejano (en escencia y en entrega) a nuestro occidental Juego de la Copa.

Mao Chenyu (foto) introduce en un wok cualquier clase de formalismo documental y nos entrega un film quizá difícil de sobrellevar incluso en sus pasajes testimoniales (los testimonios de los integrantes de la aldea parecen diluírse y formar parte de una reunión a la que nunca nos invitan) pero decididamente respetuoso respecto a este cosmos, aparentemente condenado a desaparecer ante las mutaciones políticas y económicas del ex-Globo Rojo.

Entonces Ximaojia Universe puede agotarnos pero no así aburrirnos, pues -al menos para quien suscribe- lo que en primera instancia se nos antoja rutinario puede convertirse en una lección de extrañas tradiciones que hacen fuerza por permanecer detenidas en su tiempo sin que nadie las embrome ó las perturbe, excepto la muerte (que es recibida con petardos y trompetas por todos los habitantes de la aldea).

Chenyu, pues, apuntala planos en apariencia despojados con obras pictóricas de su autoría, para que intentemos darnos cuenta de que allí donde no hay sorpresa ó interés inmediato puede encontrarse un detalle tan pequeño como hermoso que nos puede revertir cualquier idea relacionada con este documental sobre determinado grupo de chinos en determinada parte de China.

Por que los espíritus que rondan Ximaojia son capaces de manifestarse a través de un dúo de mariposas azules revoloteando en el funeral de una vieja. Nada que nos vuele el gorro, excepto por el hecho de que el funeral se realizó en pleno y crudo invierno, una estación particularmente hostil para la proliferación de cualquier lepidóptero. =)

(592672 37795232)

* * *
Daniel Celina

P.D: La sección "Visiones Radicales desde China" incluye una serie de documentales que, exceptuando Ximaojia Universe, ofrecen sabor político digno de apreciar. Sobre todo teniendo en cuenta que eludir censura en China es más complicado que cazar moscas con palitos.

The Ape

2010-04-09T01:15:00.000-07:00

The Ape. Suecia. 2009. Dir.: Jesper Gaslandt.

Que el primer día de proyecciones del festival una de las opciones del menú haya sido este desestabilizador primer largometraje de Gaslandt, es una muestra de que el Bafici apuesta, de vez en cuando, a cachetearnos de lo lindo.

The Ape juega con los nervios del espectador pero no al estilo del peor Von Trier sino con las armas de un narrador áspero que elige apelar a una narración sostenida y con los in crescendo justos para que el drama adquiera, con el correr de la trama, visos de tragedia irredimible.

El pasillo al infierno en el que se mete el protagonista de la historia no tiene vuelta, va cerrando salidas ante cada paso. La escena con la que da inicio el film es el antihéroe (¿villano?) en cuestión ensangrentado y tirado en el piso, situación de la que sale con un cambio de ropa y enfrentando su cotidianeidad pero con una evidente procesión interna, destructiva y terminal.

La profundización del descenso se subraya como inevitable con cada minuto de relato. Gaslandt, con pulso de hierro, nos conduce junto al objeto de su desprecio, ese personaje sin salvación a la vista que sin necesidad de mayores esfuerzos, nos involucra en su implosión y nos hace, por un rato, no sólo testigos sino también cómplices de su sangría.

* * * *

Daniel Castelo

David wants to fly

2010-04-08T22:18:00.000-07:00

David Wants to Fly. Alemania / Austria / Suiza, 2010. Dir.: David Sieveking

Uno de los protagonistas centrales de este documental sobre la meditación trascendental es David Lynch. Sin embargo, no es ese David el que quiere volar, sino el estudiante de cine David Sieveking, que se propuso realizar un viaje introspectivo a través de los dictados del gurú Maharashi, y que finalmente lo que encuentra es un gran negocio.

El director de Blue Velvet aquí es excluyente, no sólo por la evidente admiración que despierta en el novel realizador, sino porque se trata de uno de los más férreos defensores del gurú espiritual de la India, que alguna vez lo fue también de los Beatles, allá a fines de los años `60, y que hasta su muerte logró convocar millones de seguidores en todo el mundo, tanto anónimos como famosos.

El recorrido que hace Sieveking tiene algo de paródico (en el guión y el montaje) pero también tiene mucho de retrato de una decepción demoledora, basada en la búsqueda del a contradicción, sí, pero también con cierto tufillo a "quizá hay algo de verdad en todo eso".

En todo este contexto, lo de Lynch cierra como ejemplo de hasta donde llega la fe, la confianza en lo mágico. Ver a uno de los tipos más subversivos de la formalidad cinematográfica avalar el hecho de que Alemania será una nación invencible si miles de yoguis levitan al mismo tiempo, es fuerte, una demostración de fe conmovedora, si no resultara casi tragicómica.

* * * 1/2

Daniel Castelo

La Reine des pommes

2010-04-08T18:15:00.000-07:00

La Reine des pommes. Francia, 2009. Dir.:Valérie Donzelli

Desde el inicio "La reina de las manzanas" se presenta como una obra escrita, dirigida y protagonizada por esta talentosa mujer llamada Valérie Donzelli, que sin dudas tiene mucho amor por el cine como todos los cinéfilos que asistimos a Bafici.

Si sabes quien es Demy, si idolatrás a Truffaut y Godard, si seguias la saga de Antoine Doinel, o disfrutabas de los enredos de Une Famme est une famme, este es el film Bafici que tanto estabas esperando, que ya sin dudas se constituye como el "Les Chansons d' amour" de esta nueva entrega del festival.

La banda sonora cuenta con canciones y arreglos de Benjamin Biolay, quien estuvo encargado del cierre del festival en el 2008.También cuenta con un reparto notable, histérico, simpático y sobre todo muy acido. Comenzando por su "ingenua" protagonista, Adele, seguido por la contraparte masculina, Jérémie Elkaïm, quien lleva a cabo todo un tour de force de la actuación que enorgullecería a Brecht; para rematarla con Béatrice De Staël, en el papel de la enigmática y por que no "Almodovariana" prima de Adele, quien le dará el consejo motor para todo el conflicto del film: "Para olvidar un hombre no hay nada mejor que acostarse con muchos hombres más"

IMPERDIBLE!!!

Bonus track: el trailer

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Jimena Patiño

NY Export: Opus Jazz

2010-04-08T14:42:00.000-07:00

NY Export: Opus Jazz. EEUU, 2010. Dir: Lipes/Joost.

¿¿Acaso nadie recuerda la objetable (pero no por eso menos pegajosa) canción de West Side Story que decía "Todo es mejor en América, Todo es más lindo en América, Bla Bla Bla Blah en América..."??.

Incluso Trini López (!) hizo un cover de dicha canción, antes de poner su prístina jeta en The Dirty Dozen.

Bien, hace añares el coreógrafo y director de aquél film (hablamos de Jerome Robbins, aunque para West Side Story contó con una ayudita de Robert Wise) llevó adelante un ballet en zapatillas muy agradable y enérgico que hoy -cincuenta años después- sufre una enérgica remake a cargo de la compañía estable de Ballet neoyorkino.

Jody-Lee Lipes (gringo) y Henry Joost (alemán) documentan la gesta del Opus en cuestión sin escatimar bellos planos fijos en los que nada permanece estático amén de un grupo de bailarines que intentarán (salario mediante) homenajear en forma al legado de Robbins, individuo que aún fallecido nos comenta desde la pantalla lo tortuoso/hermoso que puede resultar jugar a ser coreógrafo.

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Daniel Celina.

Fraüenzimmer (Silver Girls)

2010-04-08T12:02:00.000-07:00

Fraüenzimmer. Alemania, 2019. Dir: Saara Waasner.

Christel, Karolina y Paula conforman un trío sexagenario inmerso en las rutinas del Berlín actual. O quizá no: Cada una de ellas se desempeña como meretriz, satisfaciendo los deseos físicos de una variopinta clientela que comprende muchachitos de 17 años con ganas de tiroteo otoñal y señores intelectuales con ganas de recibir latigazos.

El film de Waasner se centra en los testimonios de las tres "protagonistas", quienes parecen hallarse a gusto con sus profesiones (observaremos que una de las integrantes del trío realizará un vuelco de vida bastante sustancial pero lógico hacia el final de la exposición) y nos acercan una mirada muy interesante y atractiva del Mercado Sexual Geronte, de cómo llevarlo adelante a través de sus variantes y particularidades (del sado más básico a los fetiches más retorcidos, que involucran comadrejas víctimas y cazadores que disparan balas imaginarias) y de cómo subsistir en el intento.

Fotografías históricas del trío, junto a un recorrido muy respetuoso a través de sus hogares, hijos/as, amigos, compañeros/as y acciones, terminan conformando un film extenso no tanto en duración si no mas bien en lo que a descubrir los universos de estas tres simpáticas tías se trata.

Como interesante canapé antropológico, Zonafreak se enorgullece en comentar que, tal y como se muestra en Fraüenzimmer, los videoclubs de Berlín ubican al film Solo Contra Todos de Gaspar Noé en las bateas de Gore y Slasher.

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Daniel Celina.

Lo que tenés que ver este año.

2010-04-07T23:41:00.000-07:00

Acá una lista de películas necesarias para disfrutar el festival. O de las que nos gustan a nosotros y las compartimos, bah.

Sección Nocturna

- Black Dynamite / Blaxpotation siglo XXI. O mejor, cine retro-camp con estética 70s, mucho funck, afro y un afroamericano heroico y cool. Uno de los posibles puntos altos del festival.

- Bronco Bullfrog / Skinheads de pelo largo y traje, en la Inglaterra de fines de los años ´60.

. Cinco / Un relato múltiple con mucho sexo. Distintas historias y distintos escenarios. Un todo contra todos made in Argentina.

- David Wants to Fly / El director David Sieveking se mete en el corazón del mundo de la meditación trascendental. Y parece encontrar algo más que paz espiritual: negocio y contradicciones.

- El sol / Ayar Blasco, uno de los responsables del pequeño clásico argentino de animación Mercano, nos trae, según el catálogo del Bafici, "malos modos, marginalidad, violencia, agresividad al palo". Habrá que ver.

- Kinatay / Un joven estudiante se involucra en un grupúsculo de policías criminales en un viaje casi iniciático a la marginalidad sin regreso. Y todo en el día de su casamiento.

- Meat / Un carnicero erotómano y su empleada voyeur registran en video los mete y saca del dueño de la cámara frigorífica. Carne sobre carne en un qué pretende usted de mi antológico.

- Monster Road / Retrato de Bruce Bickford, uno de los animadores de stop motion más entrañables del cine, entre otras cosas por haber sido responsable de los clips más lisérgicos de Frank Zappa.

- Petals: Journey Into Self Discovery / Un documental sobre vulvas, más precisamente sobre un libro dedicado al tema, o a esa región de la fisonomía femenina. Valijeros abstenerse.

- Prometheus’ Garden / De Bruce Bickford, el hombre mencionado más arriba. El mito de Prometeo en un trip visual y de alto contenido psicodélico. Imperdible. Cortometraje. Se exhibe junto a Monster Road.

- Red White & Blue / Una lady que disfruta del sexo sin pudores entabla una entrañable relación con un veterano de la guerra de Irak que goza con torturar animales. Corte. Lo deja por un rocker. Corte. El veterano vuelve a entrar en escena. Y ahí empieza la cuestión.

- Reincarnate / El tailandés Thunska Pansittivorakul se propuso romper con las normas que el país impuso a los realizadores en nombre de la moral del pueblo. Y según parece, lo logró.

- Second Moon / Una comedia made in USA pero hecha por nipones, sobre una empresa en la que está prohibida el amor monógamo. Allí vamos.

- Silver Girls / Documental sobre un puñado de señoras ya entradas en la tercera edad que entregaron su cuerpo a la prostitución. Un trabajo que va mucho más allá de la sensiblería fácil y la denuncia de vecina indignada.

- Summer Wars / Animación oriental de esa que le suma al prestigio ya ganado por el género en esa zona del planeta.

- The Haunted World of El Superbeasto / Rob Zombie metió mano en la animación y salió bien parado de la experiencia. Un largometraje que parece tomar algo del espíritu de Fritz The Cat pero con el american way y listo para los fans de MTV y el humor fast food. Es decir, una película que no va a escandalizar a nadie, pero va a entretener a todos.

Pero por fuera de Noctura, y mirando bien el catálogo, uno puede encontrarse con mucho más. Entre ese mucho más, por ejemplo, tenemos la gran La cinta blanca, del maestro y dios fílmico Michael Haneke, exhibida a manera de adelanto -se estrena el 22 de este mes- y que gira en torno a una mirada sobre el Holocausto, trazando una metáfora de la gran matanza de todos los tiempos.

O más. Como Leslie, my Name is Evil, trabajo sobre las chicas del clan de Charles Manson, y que presenta un raid de violencia y demencia que bien merece ponerla como otro de los ejes del festival para el público del agujero negro del cine (foto izq).

En términos de violencia, en tanto, también se anota la española Celda 211, ganadora de varios premios Goya y que cuenta la situación que debe vivir un funcionario penitenciario que queda en medio de un motín y se hace pasar por uno de los reos.

Ce vieux reve qui bouge ("Ese viejo sueño que mueve", sería su traducción), por otro lado, es una historia de amor situada en una fábrica, pero entre tres obreros, lo que de por sí amerita una vuelta por el cine.

¿Querés más sexo pero con el toque perverso? Date un paseito por Extreme Private Eros: Love Song, de Kazuo Hara, tremendo documental en el que su director persigue a su ex mujer hasta el cabaret en el que trabaja, y donde asiste a vejaciones, violencia y el embarazo en manos de un soldado de color. Un incunable de los grandes.

Una que puede que terminemos adorando todos: El Charles Bronson chileno (o idénticamente igual), viaje junto a un señor que gana su comida así, representando al mítico vengador anónimo. Sí, el recuerdo de la gran Tony Manero -vista en Bafici el año pasado- es inevitable, y sólo nos queda esperar que esta sobre Bronson sea la mitad de buena.

Data básica

Fechas: 7 al 18 de abril.

Precio: $10. Jubil. y estud. $8

Sedes:
Hoyts Abasto (Av. Corrientes 3247),
Plaza San Martin de Tours (Baficito, Schiaffino y Posadas),
Atlas Santa Fe (Av. Santa Fe 2015),
Arteplex Belgrano (Av. Cabildo 2829),
Arteplex Caballito (Av. Rivadavia 5050),
Complejo 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444),
Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530 piso 10),
Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415),
Alianza Francesa (Av. Córdoba 946),
Cine Parque Xacobeo (Cuenca 3252),
Cine al Aire Libre (Pasaje Carlos Gardel 3100).

Empezó la locura

2010-04-07T23:11:00.001-07:00

Una, dos, tres grillas repartidas en distintas partes de la casa, biromes, catálogo marcado, hojas que se van desgastando hasta llegar al último día en mal estado.

Títulos en la cabeza, subrayados y/o resaltados en apuntes varios, otros que quedan para algún gestor de descargas. Todo vale para vivir un festival vital como pocos en la ciudad de Buenos Aires y en el país todo.

Comenzó la carrera y los once días que se vienen serán intensos y llenos de cine. Mucho de lo que vivamos de todo eso comentaremos por aquí, visceraremos a pura subjetividad y sangre cinéfila. O algo así, por lo menos.

Feliz Bafici.