Buen día, día

Buen día, día. Argentina. 2010. Dir.: Sergio Cucho Constantino & Eduardo Pinto.

La elección más importante a la hora de un documental es el tema que va a tratarse o, como en este caso, el personaje a retratar. Buen día, día, en ese punto, es indestructible, porque Miguel Abuelo quizá sea uno de los protagonistas más atractivos que haya tenido la historia del rock argentino, marcada a fuego por tres décadas (6o, 70 y 80) en las que se hizo todo lo que había que hacerse, y que lo tuvieron como artista de referencia.

El film retrata a este señor nacido como Miguel Angel Peralta, que fue uno de los fundadores de la movida rock en la patria y que luego de parir Los abuelos de la nada se fugó con su alma a Europa, de donde regresó para la fiebre cocainómana de los 80s.

Un documental sobrio pero no a la piñas, pese a que Abuelo las pegaba (Charly puede dar crédito, aunque no se mencione el hecho en la película). Sus mejores momentos son los que cuentan con documentación de la época. En cambio, las situaciones dramatizadas no funcionan del todo, como si a la historia paralela que se quiso contar le faltaran un par de vueltas para acoplarse a la contundencia de una vida potente y urgente.

Pero también están los testimonios, imprescindibles para redondear el perfil del héroe del film. Y allí están, para contar la historia oficial, Calamaro, Spinetta, Bazterrica, Miguel Cantilo, Cachorro López y Cubero Díaz, entre otros. Además, el hijo de Miguel, Gato Azul, ficcionaliza una búsqueda de señas, señales, rastros, huellas de su padre en la ciudad de Buenos Aires, esa que cada vez que muere un poeta es un poco menos vivible.

* * * 1/2

Daniel Castelo

La Cinta Blanca

Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte. Alemania, 2010. Dir: Michael Haneke.

El aclamado film de Haneke que, pese a ser la favorita, se fue con la manos vacías del Oscar 2010, es no sólo una gloriosa entrada más en la filmografía del realizador de Funny Games y Caché, sino acaso su obra maestra. Situada en tiempos apenas anteriores a la primera Guerra Mundial, La Cinta Blanca narra los cada vez menos espaciados exabruptos de violencia en un pequeño pueblo donde todos desconfían de sus vecinos, y actúan ya sea por temor a represalias o por puro odio y venganza.
Haneke hace de éste un nuevo ensayo sobre la violencia, y la retrata de manera seca, fría y contundente: los golpes físicos duelen casi tanto como las agresiones verbales entre sus protagonistas. El narrador en off, quien recuerda todo lo que el espectador ve en la pantalla grande, advierte desde un principio: "no sé si lo que aquí cuento realmente sucedió así, pero en todo caso quizás pueda explicar mucho de la historia de este país". Si no la explica, pega en el palo.

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Furia de Titanes

No, no es una equivocación, ni se posteará aquí la crítica del mega-industrial film de Hollywood en este blog dedicado al Bafici, En este post se hablará de aquellos monstruos cinematográficos que cambiaron los quehaceres del cine, y nos legaron sus inmortales obras maestras, recuperadas y re-exhibidas en el marco del festival.

Mientras que las salas del Abasto se ven  invadidas de publicidades en relación a dicho film Hollywoodense, paralelo a esto, el Bafici sigue su curso. Este año, su completa programación, permitió exhibir en cine obras, que mas allá de un ciclo en "la Lugones" o el Malba, no se piensan encontrar en una sala comercial: "Strómboli" de Roberto Rossellini y "La via Láctea" de Luis Buñel.

Dentro de la Sección "Panorama-Diálogos" ambos autores fueron programados para dialogar con dos films de realizadores actuales: "Non ricordo il titolo" en relación a "Stromboli", y "Lourdes" en relación a "La Vía Láctea". Los monstruos sagrados y consagrados de la historia del cine en un encuentro mano a mano con los nuevos realizadores del cine independiente. Pasado y presente, mitos y realidades que se unen en el marco del festival.

Quedará a cargo del espectador el decidir si los realizadores actuales estan a la misma altura (o incluso mejores) que sus predecesores, o si como los titánes del séptimo arte en que se han convertido Rossellini y Buñuel, sus obras son  imbatibles y su furia implacable.

Paseo

Paseo. Chile. 2009. Dir.: Sergio Castro-San Martìn.

San Martín cruzó los Andes, pero el viaje de vuelta fue lento y volvió tarde, parece. Todos aquellos tics que la mentada y hoy remanida declaración de guerra de eso que una parte de la prensa se encaprichó en llamar "nuevo cine argentino" están presentes en este trabajo que, si me aseguran que no fue hecho a conciencia para ser distribuido en el circuito de festivales, tendría que suponer que se trata simplemente de un bache en la interesante filmografía que compone el cine chileno de los últimos años.

Porque Paseo cuenta la pequeña historia de un hijo que se reencuentra con su padre, pero apelando una metralla de planos sobreactuados en su desencuadre y a una puesta técnica que resulta forzada en su apariencia de bajo presupuesto, en su refuerzo de la idea de lo indie, del "cine a pulmón". La marca del for export está demasiado a la vista, algo que se subraya en un puñado de actuaciones naturalistas, con una marcación clara en el sentido de llevar a su elenco a la no-interpretación.

Paseo nos lleva por terreno conocido, quizá demasiado recorrido ya como para que en medio de un festival de cine independiente logre levantar algún tipo de entusiasmo. El tufillo a naftalina aparece a poco de comenzar. Y nos acompaña durante todo el, ejem, paseo.

* 1/2

Daniel Castelo

Varese: The One All Alone

Varese: The One All Alone. Holanda, 2009. Dir: Frank Scheffer.

Frank Scheffer describe (en la antesala de la proyección) haber descubierto a Varese garcias a Frank Zappa, de quien también se esta presentando un documental en esta edición del bafici. Como si semejante cita no fuera suficiente, describe a continuación no sentirse mas interesado en documental musical alguno, puesto que ya había hecho uno del mejor; con Varese cerro el círculo.

Ante tales hábiles palabras uno no puede evitar adentrarse en el film en cuestión bastante sugestionado, pero no se sentirá engañado en lo más mínimo.

Con los respetuosísimos relatos de su ya no joven aprendiz Wen Chung y un grupo de musicos de renombre tirandole flores a más no poder, nos sumergimos en Varese. No en sus traumas, fobias u obsesiones, sino en su vida musical, una inmersion sonora. Con una gama de imágenes de lo más variada y sublime, que transcribe gratamente al lenguaje visual lo que estamos escuchando (misión dificil si las hay si tomamos en cuenta que Varese era considerado como el artista que supo aplicar la teoría de la relatividad de Einstein a la música).

Inevitablemente de este filme se desprenderán dos experiencias bien diferenciadas, los que ya conocían la obra del autor y los que no. Quienes ya eran admiradores pueden quedarse tranquilos y sentarse a disfrutar del mas exquisito homenaje cinematográfico que puedan imaginarse y quienes no, afortunados también porque podrán abandonar la sala probablemente repitiendo la frase de John Cage: Varese cambió mi mente sin introducir ideas en ella.

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Fernando Motrel

Black Dynamite

Black Dynamite. EE.UU. 2009. Dir.: Scott Sanders.

El blaxplotation bien entendido empieza por casa, por la Casa Blanca, podríamos decir. Pero no, vamos al humor retro y felizmente idiota de Black Dynamite, una humorada de aparente trazo grueso, pero tan efectiva en su impronta pop-vintage que es puro disfrute, desde los títulos de crédito hasta cada uno de los gags que la componen y descomponen.

El film de Scott Sanders narra una pequeña historia ligada a todos esos clichés sobre la negritud que se han realizado a lo largo de los últimos 20 o 30 años (delito, tetas, prostitución, ritmo, drogas). Con una estética enclavada en el cine de los 70, el funk es el pentagrama sobre el que se escribieron las continuas canciones de acción, violencia y humor que arman el film, con afro y pantalones pata de elefante incluidos, por supuesto.

Chicas tetonas, narcos, policías corruptos, pistolas humeantes, referencias al swing, al soul y a los narcóticos son la base de un guión que, no por su pátina tontuela, deja de ser ajustado e inteligente en su concepción.

¿La gran apuesta pop del Bafici? Quizá. Y quizá también la película que mejor representa la imaginería de la sección Nocturna, que este año se tornó demasiado seria para el gusto freakkie, acostumbrado a un tono más podrido que el que se presenta en esta edición del festival. Como sea, Black Dynamite es un tiroteo de pop-corn, incorrección (light) y comedia de la buena. Y sin cortar.

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Daniel Castelo

The Haunted World of El Superbeasto

The Haunted World of El Superbeasto. EE.UU. 2009. Dir,: Rob Zombie.

Rob Zombie, uno de los pocos tipos del cine bizarro posmoderno que tiene algunas cosas para decir y con estilo propio, debuta en el Bafici con su primer largo de dibujos animados, casi casi lo mejor de su factoría.

El film, metido de lleno en el pantano del humor freak y zarpado todoterreno, cuenta esta historia salida de los comics creados por Mr. Rob, la de un hombretón con máscara de luchador mexicano, super(anti)héroe clase B, actor porno y catástrofe andante que no sólo se tumba a toda fémina que se le cruza, sino que además tiene tiempo para combatir a los malos más malos y de paso destrozar lo que se le ponga delante.

Zombie afiló el lápiz y la partida le salió mejor que sus recientes y fallidas incursiones en la saga Halloween (esa que debería haber quedado como estaba) y casi al mismo nivel que su gran opus hasta el momento: House of 1000 Corpses.

Con el nivel de absurdo y demencia cartoon esperables, y con una deuda al ritmo made in MTV en lo que refiere al montaje, la película acierta en todos los rubros por los que pasa e ironiza y pone en juego un nivel de acidez apto para adolescentes nada desdeñable. Es decir, vamos con Rob, que no es ponja.

* * * 1/2

Daniel Castelo

The Agony and the Ecstasy of Phil Spector

The Agony and the Ecstasy of Phil Spector. EE.UU, 2009. Dir: Vikram Jayanti.

El individuo no tiene ningún inconveniente en sugerir (suavemente tensado por su entrevistador) que la frase I don´t believe in Zimmerman que suena en la God de John Lennon es básicamente de su autoría. Insiste en que no soporta mucho a Bob Dylan y traza un recuerdo de su escuela secundaria, en la cual era atocigado física y mentalmente por muchachitos de clase media acomodada. ¿La solución? Enseñarles música a los rudos integrantes del equipo de Fútbol Americano de la escuela a cambio de "protección".

Phil Spector siempre intentó mantenerse protegido, incluso cuando se animó a agregar coros femeninos en una canción de The Beatles (The Long and Winding Road), algo tan novedoso como improbable en una canción de los Cuatro Fantásticos. No le importó la consecuencia, amén de la ira de Sir Paul McCartney.

Tampoco le importó aportar su visión de lo acaecido en su mansión aquélla noche en que la actriz Lana Clarkson amaneció sin vida y con un agujero en el cráneo. Spector concede la entrevista que da forma a éste film dos meses antes de la etapa final del proceso judicial que lo ubicaba como el asesino de Clarkson, pero no emite el más mínimo comentario al respecto. Sí emite opinión (válida si se desea, considerando su aporte a los procesos de postproducción sonora, que no es menor en ningún sentido) respecto a Brian Wilson, Lennon, Scorsese (*), Tony Bennett, Dylan, Bush, Tina Turner, George Martin, Robert DeNiro y 517 personalidades más, las cuales se vieron involucradas en la trayectoria del creador de Be My Baby.

Jayanti se muestra respetuoso con Spector jugando de local (la entrevista se sucede en su mansión) y omite elaborar un cuestionario respecto a la dudosa muerte de Clarkson, pero para no caer en la entrega contínua del bien ganado parloteo narcisista de Spector (interesante de todas formas), nos muestra escenas auténticas del juicio y la labor de prosecutores y fiscales intentando encontrar cauce a una muerte demasiado dudosa.

Con pasajes decididamente chistosos (Spector justificando cierto frenético peinado suyo, por ejemplo) The Agony and the Ecstasy of Phil Spector resulta por demás interesante. Y nos deja con una duda, aquélla duda que ni siquiera un Honorable Juez de la Corte Suprema fué capaz de discernir, declarando nulo un juicio que luego fué retomado por otras gentes y con otros resultados y sentencias.

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Daniel Celina.

(*) Genial y muy poco conocida cierta anécdota relacionada con la secuencia de créditos de Mean Streets, que contiene la canción Be My Baby.

Yuki & Nina (2009)

Yuki & Nina. Francia,2009. Dir.: Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot

Punto notable de la "Quincena de los realizadores del festival" de Cannes pasado, con la escencia del film Cuenta Conmigo, y la suma del estilo de cine Oriental por un lado y Francès por el otro, este film se ha convertido en un must del festival, pues ha agotado las tres proyecciones que de él se hacian.

Sin embargo conviene advertir tanto a los amantes del cine francès y del cine japones por igual sobre la temporalidad que maneja y el estilo de  la representación, pues podría calificarse como un film francés que cuenta una historia japonesa o un film japones que cuenta una historia en la que se habla en francés.

Es un claro exponente del cine naturalista al mejor estilo Rohmer que nos cuenta la historia de la amistad de estas dos niñas provenientes de hogares fragmentados. Yuki, cuyos padres estan a punto de divorciarse y pronta a irse a vivir a japón con su madre. Nina  vive con su  madre pero pasa sus veranos en la casa de su padre en las afueras de París.Ambas encontraran una forma de mantener su amistad intacta mas allá de la vida (y los problemas) de los adultos. Pese al naturalismo propio de cierto cine francés y compartido en parte por el cine oriental,  el realismo mágico propio de la cultura nipóna tambien tiene su lugar en el film, y es que además de tener claramente dos realizadores: Nobuhiro Suwa (japonès) y Hippolyte Girardot (Francès), el film podría dividirse en dos partes bien claras, una francesa y la otra japonesa. Una mas realista  y la otra más metafórica.

Las niñas protagonistas son adorables, y esperemos que cual Jean Pierre Leaud de Los 400 Golpes, mantengan su estrella en el cine francés o nipon. Yuki (Noë Sampy) es tan entrañable que parece la version carne y hueso  de Heidi, y Nina (Arielle Moutel) una version en miniatura de Julie Delpy. Lo cierto es que los niños suelen  robarse la atención en las películas, especialmente en relación a los adultos, actores profesionales que se esfuerzan, pero por mas que lo  intenten, todos sabemos que esta es la película de Yuki y Nina, de Japón y Francia.

La película mas adorable del Bafici pero sobre la que estan más que advertidos si detestan los tiempos prolongados, el naturlalismo, y sobre todo el realismo mágico oriental.



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Jimena Patiño

Leslie, My Name is Evil

Leslie, my name is evil. EEUU/Canada, 2009. Reginald Harkema.

Mucho se ha dicho acerca de Charles Mansons y sus delirios de mesías satánico, pero no tanto se ha hablado acerca de sus fieles secuaces: las famosas "chicas Manson". Leslie, la malvada del título, es la que, en palabras del "lider", era la que "estaba más buena".

Harkema busca con su film acercarse a la vida de estas muchachas seducidas por su majestad satánica, y comprender qué les pasaba por la cabeza -¡o qué NO les pasaba para cometer los actos que cometieron!, pero se queda a medio a camino entre un aproximamiento que recuerda en más de un aspecto al Natural Born Killers de Oliver Stone. Puede criticársele al realizador su ambigua simpatía que otorga a las protagonistas (especialmente a Leslie, claro), pero lo más objetable no es esto sino el tono "canchero" que parece adoptar en momentos donde algo de seriedad hubiese sido mucho más interesante. Recientemente, a propósito de su estreno limitado en Estados Unidos, el director dialógo con el National Post, atajándose al declarar "no creo que sea peligroso hacer un film de este tipo en una cultura que recientemente tuvo como gran éxito un film que usaba el Holocausto como pretexto para filmar torturas y venganza". Si bien acierta en que lejos está su film de resultar "peligroso" o controversial, puesto que los interrogantes que plantea resultan un tanto obvios y fáciles, se equivoca en un aspecto fundamental al hacer su analogía cinematográfica: Tarantino, por más que entretenida, no dirigió una comedia (y condena, desde el mismo título, a sus protagonistas). Y Leslie... , mientras que por un lado tiene un comienzo promisorio que parece querer indagar en el psiquis de las chicas, termina cayendo en artilugios del montaje cool y el grotesco doble subrayado, y la famosa frase "fuimos todos" que, cierta o no, no encuentra demasiada justificación en su contexto fílmico.

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The Ape

The Ape. Suecia. 2009. Dir.: Jesper Gaslandt.

Que el primer día de proyecciones del festival una de las opciones del menú haya sido este desestabilizador primer largometraje de Gaslandt, es una muestra de que el Bafici apuesta, de vez en cuando, a cachetearnos de lo lindo.

The Ape juega con los nervios del espectador pero no al estilo del peor Von Trier sino con las armas de un narrador áspero que elige apelar a una narración sostenida y con los in crescendo justos para que el drama adquiera, con el correr de la trama, visos de tragedia irredimible.

El pasillo al infierno en el que se mete el protagonista de la historia no tiene vuelta, va cerrando salidas ante cada paso. La escena con la que da inicio el film es el antihéroe (¿villano?) en cuestión ensangrentado y tirado en el piso, situación de la que sale con un cambio de ropa y enfrentando su cotidianeidad pero con una evidente procesión interna, destructiva y terminal.

La profundización del descenso se subraya como inevitable con cada minuto de relato. Gaslandt, con pulso de hierro, nos conduce junto al objeto de su desprecio, ese personaje sin salvación a la vista que sin necesidad de mayores esfuerzos, nos involucra en su implosión y nos hace, por un rato, no sólo testigos sino también cómplices de su sangría.

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Daniel Castelo

David wants to fly

David Wants to Fly. Alemania / Austria / Suiza, 2010. Dir.: David Sieveking

Uno de los protagonistas centrales de este documental sobre la meditación trascendental es David Lynch. Sin embargo, no es ese David el que quiere volar, sino el estudiante de cine David Sieveking, que se propuso realizar un viaje introspectivo a través de los dictados del gurú Maharashi, y que finalmente lo que encuentra es un gran negocio.

El director de Blue Velvet aquí es excluyente, no sólo por la evidente admiración que despierta en el novel realizador, sino porque se trata de uno de los más férreos defensores del gurú espiritual de la India, que alguna vez lo fue también de los Beatles, allá a fines de los años `60, y que hasta su muerte logró convocar millones de seguidores en todo el mundo, tanto anónimos como famosos.

El recorrido que hace Sieveking tiene algo de paródico (en el guión y el montaje) pero también tiene mucho de retrato de una decepción demoledora, basada en la búsqueda del a contradicción, sí, pero también con cierto tufillo a "quizá hay algo de verdad en todo eso".

En todo este contexto, lo de Lynch cierra como ejemplo de hasta donde llega la fe, la confianza en lo mágico. Ver a uno de los tipos más subversivos de la formalidad cinematográfica avalar el hecho de que Alemania será una nación invencible si miles de yoguis levitan al mismo tiempo, es fuerte, una demostración de fe conmovedora, si no resultara casi tragicómica.

* * * 1/2

Daniel Castelo

La Reine des pommes

La Reine des pommes. Francia, 2009. Dir.:Valérie Donzelli

Desde el inicio "La reina de las manzanas" se presenta como una obra escrita, dirigida y protagonizada por esta talentosa mujer llamada Valérie Donzelli, que sin dudas tiene mucho amor por el cine como todos los cinéfilos que asistimos a Bafici.

Si sabes quien es Demy, si idolatrás a Truffaut y Godard, si seguias la saga de Antoine Doinel, o disfrutabas de los enredos de Une Famme est une famme, este es el film Bafici que tanto estabas esperando, que ya sin dudas se constituye como el "Les Chansons d' amour" de esta nueva entrega del festival.

La banda sonora cuenta con canciones y arreglos de Benjamin Biolay, quien estuvo encargado del cierre del festival en el 2008.También cuenta con un reparto notable, histérico, simpático y sobre todo muy acido. Comenzando por su "ingenua" protagonista, Adele, seguido por la contraparte masculina, Jérémie Elkaïm, quien lleva a cabo todo un tour de force de la actuación que enorgullecería a Brecht; para rematarla con Béatrice De Staël, en el papel de la enigmática y por que no "Almodovariana" prima de Adele, quien le dará el consejo motor para todo el conflicto del film: "Para olvidar un hombre no hay nada mejor que acostarse con muchos hombres más"

IMPERDIBLE!!!

Bonus track: el trailer




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Jimena Patiño