Alderete on BAFICI

El monstruo sagrado Marcelo Alderete (programador del último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata) se encuentra visitando (disfrutando, padeciendo y transpirando) el presente BAFICI como cualquiera de nosotros y accedió -generoso y displicente- a un simpático Tète-a-Tète con Daniel Celina que probablemente sea añadido como apéndice extraordinario en el próximo numero de Cahiers Du Cinèma.

Daniel Celina: ¿Me decís, según tu punto de vista y hasta este mismísimo instante, las tres Imperdibles y las tres Decepciones del presente festival?
Marcelo Alderete: ¿Nada mas que tres imperdibles y tres decepciones?
D.C: Para hacerlo conciso y no aburrir.
M.A: Je. Bueno... A ver...

LAS TRES IMPERDIBLES SEGúN MARCELO ALDERETE.
1) Leslie, My Name Is Evil. ("Buenísima")
2) Police, Adjetive ("Muy pero muy buena")
3) A La Mar ("Está muy bien")

LAS TRES DECEPCIONES SEGúN MARCELO ALDERETE.
1) I Went To The Zoo The Other Day ("No me gustó")
2) Black Dynamite ("No Me Gustó para nada")
3) Do It Again ("Malísima")

D.C: ...pero Black Dynamite llegó a ser considerada lo más canchero del festival, incluso Zonafreak le dió el Visto Bueno.
M.A: A mí no me gustó.
D.C: Bueno... ¿Y de verdad te parece que Do It Again merece estar entre las decepciones del festival?
M.A: Sí.
D.C: A mi me gustó bastante.
M.A: Me parece perfecto.
D.C: ¿Por qué no incluir Kings Of Pastry de Pennebaker entre las imperdibles?
M.A: ¡Apa! ¡Ésa se me olvidó! Podría estar, ¿eh? ¡Podría estar sin ningún problema!
D.C: ¿Y Monster Road? ¿No te gustó?
M.A: No pude verla.
D.C: No importa, en otra ocasión.
M.A: Seguro que sí.
D.C: ¡Muchas gracias Marcelo! Nos vemos pronto.
M.A: ¡De nada! Nos vemos.

Mr. Alderete es, junto a Armando Bo y Herschell Gordon Lewis, uno de nuestros individuos favoritos. Si no lo amamos, le pega en el palo.

Hacerme Feriante

Hacerme Feriante. Argentina, 2010. Dir: Julián D´Angiolillo.

Quizá lo más sincero de este sincero film radique en cierto pasaje del mismo al cual no nos atrevemos a catalogar como escena: Un tren de pasajeros cruza a paso de hombre las entrañas de la feria de La Salada mientras un caos que no es tal (por que allí mismo reside su cosmos) hierve en bullicio y parece decidido a ingresar a través de las ventanas del vagón hasta cubrir por completo la pantalla, mas nunca lo hace, en una suerte de respeto mutuo que se dispensa entre realizadores y documentados.

Del otrora popular balneario de agua salada (y helada) ya no queda nada excepto un bienvenido material de archivo que nos expone la gloria de antaño, al menos en cuanto a balnearios se refiere. Hoy por hoy, sobre las glorietas crecen totoras y camalotes, sobre las estatuas hay huevos de Ampularia (caracol lacustre) y bajo las aguas semiestancadas de los piletones se reproducen ranas y escuerzos.

Un poco más allá, una increíble feria (compuesta por tres cooperativas) ofrece desde chips telefónicos hasta tangas, pasando por compilados de películas cristianas en DivX y luces para el arbolito de navidad. En medio de esto, el trajinar diario de un montón de personas de aquí y de allá para las cuales vivir resulta un trabajo auténticamente duro, entre madrugones y empleados estatales que los impulsan a abandonar su condición de feriantes y pasar a formar parte de las cuadrillas que limpiarán, en un supuesto futuro, la arteria principal que hoy día ocupa la feria.

D´Angiolillo no pregunta, no interroga ni cuestiona: Transcurre por allí y nos ofrece un panorama bastante desconocido de esta feria que en ciertos foros internacionales es considerada fenómeno, acompañando en silencio no sólo el momento de hervor de La Salada, si no también los momentos de cocción previos (ropa "trucha" y DVDs "ilegales").

Un documental que se dedica, sencillamente, a documentar. Ni más ni menos.

Mención especial merece el diseño sonoro de Hacerme Feriante: En materia de construcción sonora, este film parece el hermano intenso de la Hiroshima de Pablo Stoll, lo cual además de meritorio es sumamente auspicioso.

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Daniel Celina.

Varese: The One All Alone

Varese: The One All Alone. Holanda, 2009. Dir: Frank Scheffer.

Frank Scheffer describe (en la antesala de la proyección) haber descubierto a Varese garcias a Frank Zappa, de quien también se esta presentando un documental en esta edición del bafici. Como si semejante cita no fuera suficiente, describe a continuación no sentirse mas interesado en documental musical alguno, puesto que ya había hecho uno del mejor; con Varese cerro el círculo.

Ante tales hábiles palabras uno no puede evitar adentrarse en el film en cuestión bastante sugestionado, pero no se sentirá engañado en lo más mínimo.

Con los respetuosísimos relatos de su ya no joven aprendiz Wen Chung y un grupo de musicos de renombre tirandole flores a más no poder, nos sumergimos en Varese. No en sus traumas, fobias u obsesiones, sino en su vida musical, una inmersion sonora. Con una gama de imágenes de lo más variada y sublime, que transcribe gratamente al lenguaje visual lo que estamos escuchando (misión dificil si las hay si tomamos en cuenta que Varese era considerado como el artista que supo aplicar la teoría de la relatividad de Einstein a la música).

Inevitablemente de este filme se desprenderán dos experiencias bien diferenciadas, los que ya conocían la obra del autor y los que no. Quienes ya eran admiradores pueden quedarse tranquilos y sentarse a disfrutar del mas exquisito homenaje cinematográfico que puedan imaginarse y quienes no, afortunados también porque podrán abandonar la sala probablemente repitiendo la frase de John Cage: Varese cambió mi mente sin introducir ideas en ella.

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Fernando Motrel

Black Dynamite

Black Dynamite. EE.UU. 2009. Dir.: Scott Sanders.

El blaxplotation bien entendido empieza por casa, por la Casa Blanca, podríamos decir. Pero no, vamos al humor retro y felizmente idiota de Black Dynamite, una humorada de aparente trazo grueso, pero tan efectiva en su impronta pop-vintage que es puro disfrute, desde los títulos de crédito hasta cada uno de los gags que la componen y descomponen.

El film de Scott Sanders narra una pequeña historia ligada a todos esos clichés sobre la negritud que se han realizado a lo largo de los últimos 20 o 30 años (delito, tetas, prostitución, ritmo, drogas). Con una estética enclavada en el cine de los 70, el funk es el pentagrama sobre el que se escribieron las continuas canciones de acción, violencia y humor que arman el film, con afro y pantalones pata de elefante incluidos, por supuesto.

Chicas tetonas, narcos, policías corruptos, pistolas humeantes, referencias al swing, al soul y a los narcóticos son la base de un guión que, no por su pátina tontuela, deja de ser ajustado e inteligente en su concepción.

¿La gran apuesta pop del Bafici? Quizá. Y quizá también la película que mejor representa la imaginería de la sección Nocturna, que este año se tornó demasiado seria para el gusto freakkie, acostumbrado a un tono más podrido que el que se presenta en esta edición del festival. Como sea, Black Dynamite es un tiroteo de pop-corn, incorrección (light) y comedia de la buena. Y sin cortar.

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Daniel Castelo

The Haunted World of El Superbeasto

The Haunted World of El Superbeasto. EE.UU. 2009. Dir,: Rob Zombie.

Rob Zombie, uno de los pocos tipos del cine bizarro posmoderno que tiene algunas cosas para decir y con estilo propio, debuta en el Bafici con su primer largo de dibujos animados, casi casi lo mejor de su factoría.

El film, metido de lleno en el pantano del humor freak y zarpado todoterreno, cuenta esta historia salida de los comics creados por Mr. Rob, la de un hombretón con máscara de luchador mexicano, super(anti)héroe clase B, actor porno y catástrofe andante que no sólo se tumba a toda fémina que se le cruza, sino que además tiene tiempo para combatir a los malos más malos y de paso destrozar lo que se le ponga delante.

Zombie afiló el lápiz y la partida le salió mejor que sus recientes y fallidas incursiones en la saga Halloween (esa que debería haber quedado como estaba) y casi al mismo nivel que su gran opus hasta el momento: House of 1000 Corpses.

Con el nivel de absurdo y demencia cartoon esperables, y con una deuda al ritmo made in MTV en lo que refiere al montaje, la película acierta en todos los rubros por los que pasa e ironiza y pone en juego un nivel de acidez apto para adolescentes nada desdeñable. Es decir, vamos con Rob, que no es ponja.

* * * 1/2

Daniel Castelo

The Agony and the Ecstasy of Phil Spector

The Agony and the Ecstasy of Phil Spector. EE.UU, 2009. Dir: Vikram Jayanti.

El individuo no tiene ningún inconveniente en sugerir (suavemente tensado por su entrevistador) que la frase I don´t believe in Zimmerman que suena en la God de John Lennon es básicamente de su autoría. Insiste en que no soporta mucho a Bob Dylan y traza un recuerdo de su escuela secundaria, en la cual era atocigado física y mentalmente por muchachitos de clase media acomodada. ¿La solución? Enseñarles música a los rudos integrantes del equipo de Fútbol Americano de la escuela a cambio de "protección".

Phil Spector siempre intentó mantenerse protegido, incluso cuando se animó a agregar coros femeninos en una canción de The Beatles (The Long and Winding Road), algo tan novedoso como improbable en una canción de los Cuatro Fantásticos. No le importó la consecuencia, amén de la ira de Sir Paul McCartney.

Tampoco le importó aportar su visión de lo acaecido en su mansión aquélla noche en que la actriz Lana Clarkson amaneció sin vida y con un agujero en el cráneo. Spector concede la entrevista que da forma a éste film dos meses antes de la etapa final del proceso judicial que lo ubicaba como el asesino de Clarkson, pero no emite el más mínimo comentario al respecto. Sí emite opinión (válida si se desea, considerando su aporte a los procesos de postproducción sonora, que no es menor en ningún sentido) respecto a Brian Wilson, Lennon, Scorsese (*), Tony Bennett, Dylan, Bush, Tina Turner, George Martin, Robert DeNiro y 517 personalidades más, las cuales se vieron involucradas en la trayectoria del creador de Be My Baby.

Jayanti se muestra respetuoso con Spector jugando de local (la entrevista se sucede en su mansión) y omite elaborar un cuestionario respecto a la dudosa muerte de Clarkson, pero para no caer en la entrega contínua del bien ganado parloteo narcisista de Spector (interesante de todas formas), nos muestra escenas auténticas del juicio y la labor de prosecutores y fiscales intentando encontrar cauce a una muerte demasiado dudosa.

Con pasajes decididamente chistosos (Spector justificando cierto frenético peinado suyo, por ejemplo) The Agony and the Ecstasy of Phil Spector resulta por demás interesante. Y nos deja con una duda, aquélla duda que ni siquiera un Honorable Juez de la Corte Suprema fué capaz de discernir, declarando nulo un juicio que luego fué retomado por otras gentes y con otros resultados y sentencias.

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Daniel Celina.

(*) Genial y muy poco conocida cierta anécdota relacionada con la secuencia de créditos de Mean Streets, que contiene la canción Be My Baby.

Yuki & Nina (2009)

Yuki & Nina. Francia,2009. Dir.: Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot

Punto notable de la "Quincena de los realizadores del festival" de Cannes pasado, con la escencia del film Cuenta Conmigo, y la suma del estilo de cine Oriental por un lado y Francès por el otro, este film se ha convertido en un must del festival, pues ha agotado las tres proyecciones que de él se hacian.

Sin embargo conviene advertir tanto a los amantes del cine francès y del cine japones por igual sobre la temporalidad que maneja y el estilo de  la representación, pues podría calificarse como un film francés que cuenta una historia japonesa o un film japones que cuenta una historia en la que se habla en francés.

Es un claro exponente del cine naturalista al mejor estilo Rohmer que nos cuenta la historia de la amistad de estas dos niñas provenientes de hogares fragmentados. Yuki, cuyos padres estan a punto de divorciarse y pronta a irse a vivir a japón con su madre. Nina  vive con su  madre pero pasa sus veranos en la casa de su padre en las afueras de París.Ambas encontraran una forma de mantener su amistad intacta mas allá de la vida (y los problemas) de los adultos. Pese al naturalismo propio de cierto cine francés y compartido en parte por el cine oriental,  el realismo mágico propio de la cultura nipóna tambien tiene su lugar en el film, y es que además de tener claramente dos realizadores: Nobuhiro Suwa (japonès) y Hippolyte Girardot (Francès), el film podría dividirse en dos partes bien claras, una francesa y la otra japonesa. Una mas realista  y la otra más metafórica.

Las niñas protagonistas son adorables, y esperemos que cual Jean Pierre Leaud de Los 400 Golpes, mantengan su estrella en el cine francés o nipon. Yuki (Noë Sampy) es tan entrañable que parece la version carne y hueso  de Heidi, y Nina (Arielle Moutel) una version en miniatura de Julie Delpy. Lo cierto es que los niños suelen  robarse la atención en las películas, especialmente en relación a los adultos, actores profesionales que se esfuerzan, pero por mas que lo  intenten, todos sabemos que esta es la película de Yuki y Nina, de Japón y Francia.

La película mas adorable del Bafici pero sobre la que estan más que advertidos si detestan los tiempos prolongados, el naturlalismo, y sobre todo el realismo mágico oriental.



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Jimena Patiño

400 KM Brandenburg

400 KM Brandenburg. Alemania, 2002. Dir: Bernhard Sallman.

Caminante no hay camino, se hace camino al andar. Bajo esta premisa Bernard Sallman emprende una epica caminata por un buen trecho de una Alemania olvidada filmando lo que su entorno le va sugiriendo, su ojo va improvisando con la cautivacion inmediata y nos regala poesía fílmica abstracta en blanco y negro.

Éste es de esos films que encierran su propio lenguaje visual, y cuesta entrar en el clima propuesto por esta camara en mano constante, pero probablemente nos ponga en evidencia que eso es problema nuestro y no uno menor precisamente. Si logramos domar a nuestro cerebro lo suficiente como para que suspenda el habitual ejercicio de buscar refugio en algun lugar comun, quizá nos percatemos de que algo casi mágico esta sucediendo:

1) La ventanita para espiar otro universo se abrió, pero se mueve constantemente.
2) La cámara desaparece a pesar de estar evidenciada.

Expresionismo alemán de escuela.

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Fernando Motrel

Das Ist Alles (That´s All)

Das Ist Alles. Austria, 2001. Dir: Rainer Frimmel / Tizza Covi.

Yásnaya Polyana es una region de la ex unión sovietica que tiempo atrás fue invadida por los alemanes durante la guerra. Al marcharse éstos (su gran mayoria) se vio totalmente diezmada e hizo un pedido de colonos que quieran asentarse en el lugar y trabajar para reconstruirlo. Acudieron a este llamado la mas variada gama de inmigrantes de lugares como Kazajistán, Azerbaiyán o Siberia. Son ellos, los colonos, los protagonistas del documental que nos invitan a sus hogares y nos narran como es vivir alli mientras realizan sus quehaceres diarios.

Es increiblemente grato encontrar un relato tan distendido sobre un país típico de Europa del Este, donde las heridas de las guerras parecen no cicatrizar y donde estamos más acostumbrados a ver imagenes grises y climas pesados. ¡Allí la vida continúa, señores, a todo color!.

Como hace 100 años atrás, tomando agua de pozo y alimentándose de los animales que crían y de las cosechas familiares; sin problemas inventados como los nuestros, hijos del aburrimiento burgués.

Eso es todo lo que tengo para decir. That´s all, dice mas de uno de los pueblerinos al narrar su historia, derrochando sabiduría de simpleza por doquier.

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Fernando Motrel

Piñeyro

Gracias Enrique Piñeyro por ese corto institucional que le trajiste al Bafici, el mejor de los últimos años quizá. Quizá tu carrera haya comenzado aquí. Aquí en este festival en del que surgen grandes respuestas a esa constante pregunta sobre dónde hay un cine, viejo Gómez, dónde hay un cine que valga la pena ver sin morir en el intento. Intento recordar otro corto que me pudiera haber conmovido más que Nieves del tiempo en los doce años que lleva el Bafici, y no lo encuentro. Encuentro, sí, el hallazgo de una confirmación: sos uno de los grandes realizadores del cine argentino, con ideas, pasión y, sobre todo, una destreza inquebrantable a la hora de llevar a imagen un guión, una historia, una trama.

Parte del Bafici 2010 ya quedó saldado con este pequeño gran trabajo de este tipo que, además, también con un toque de viveza y sentido de la ocasión, se ubica en la lista de los candidatos a dirigir la gran histori(et)a argentina que hasta ahora no recaló en la pantalla grande.

Recordando Hits del Bafici 2009

Diferentes interpretaciones sobre el institucional de Lisandro Alonso
Lo que nos dejó el ave de rapiña inmortalizada por el director de Liverpool.

1) Ofrece la provocativa imagen de una lechuza inmóvil frente a la cámara, con ritmo marcado por Domingo Cura (una metáfora a propósito de estos once días, para los cinéfilos, sin lunas ni soles. (Anónimo -¿Battle? ¿Mighetti? ¿Graña?-) La Nación.

2) El corto de un estudiante de cine argentino. Primer plano de una lechuza que respira y mira a cámara sin parpadear. Pasan los segundos y la lechuza sigue respirando. Hay una tensión que no se desata: la lechuza respira y mira fijo a cámara. Y así hasta el final, durante casi tres minutos. Nicolás Mavrakis, Noticias (simpáticamente toreado por Osvaldo Bazán en Crítica)

3) Lo peor hasta el momento: La lechuza del institucional de Lisandro Alonso. Mucho Cannes, pero para el spot no puso un gramo de onda. "Godardista" en Otroscines.com

4) La lechuza representa al adolescente promedio que va al cine y se queda todo el día mirando películas... por que algo es seguro: Al otro día no tiene que ir a trabajar ni a hacer compras, como hace la gente normal. Martín "Pantera" Seoane, 30 años, editor de sonido de Jesús El Heredero.

5) El corto de la lechuza y su mirada amenazante nos demuestra en cierta forma que en un par de años las lechuzas van a conquistar el planeta tierra y van a esclavizarnos a todos. Guillermo Gatti, editor de Todo x 2 Pesos (ciclo ATC), 29 años.

Prometheus´ Garden / Monster Road

Prometheus´Garden. EE.UU, 1988. Dir: Bruce Bickford. Monster Road. EE.UU, 2004. Dir: Brett Ingram.

Unas formas raras confeccionadas con lo que parece plastilina se van moviendo y formando las palabras Prometheus Garden en pantalla. A esto le suceden 30 minutos de un intenso viaje psicodelico o surrealista de stop motion. Cualquiera sea de las 2 opciones o estamos en presencia de una pesadilla o de un mambo negro producido por unos acidos en mal estado. Un sinnumero de personajes de situacion desfilan unos tras otros entrando y saliendo de escena, deformandose solo como la nobleza de su material les permite y al compas de sonidos estridentes y experimentales.

A no desesperar, las respuestas a nuestro calvario se sucederan en los 80 minutos próximos ya que a su termino se proyecta Monster Road, el documental en donde entendemos de que mente enferma proviene todo ese delirio que nos hizo espiar al de la butaca de al lado (mas de una vez) para ver si esto le afectaba tanto como a uno y probablemente nos quedamos tranquilos al ver que el estaba haciendo lo mismo con el del otro extremo. Bruce Bickford supo tener sus 5 minutos de fama en los 70s trabajando con Frank Zappa y hoy se encuentra unos cuantos años después haciendo exactamente lo mismo: Animando. Una vida dedicada a esas peculiares maquetas de stop motion que construye, a una escala y fluidez que son su marca registrada. Nos adentramos en su intimidad para descubrir, entre otras cosas, a su padre (quien bien podria tener pelicula aparte), un ingeniero ya retirado con Alzheimer, que tuvo sus días de gloria trabajando para Boeing inventando dispositivos para la Segunda Guerra Mundial. Bruce nos invita a su mundo privado que se refleja en cada uno de sus cortos animados, cada obsesión y cada trauma de su vida personal cobra vida en cada una de sus animaciones.

Es inevitable la comparacion con The Devil And Daniel Johnston, donde lo mismo parece suceder con el protagonista; todo misterio del “artista” en cuestion parece develarse y tener una explicacion racional o freudiana. Parece que la modernidad, la globalización y el neoliberalismo han dejado sólo un lugar para los artistas sensibles inmasificables: La reclusión. ¿El artista hermitaño crea y produce a pesar de su incapacidad para reproducir normalidad o gracias a ella? En una escena Bruce explica cómo dejo su trabajo en el supermercado, argumentando que le robaba todo su tiempo, llegaba a su casa cansado y ya no tenia ganas de crear.

Quizá lo mas peligroso de estos locos artistas, lo que tanto tememos, es que a veces evidencian cruelmente la normalidad ajena.

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Fernando Motrel.

Applause

Applause. Dinamarca, 2009. Dir: Peter Zandlievt.

Borracha, histérica, desequilibrada. Thea deja sin aliento a quienes la ven sobre el escenario pero es incapaz de conectarse realmente con nadie debajo de él. El esteretipo de la actriz complicada explotado con un flujo real de tiempo y fotografia refrescante. Una artista cuarentona queriendo rearmar su vida y el lazo con sus hijos con los escombros que su adicción al alcohol le dejó de lo que alguna vez fue su hogar.

Esta falta de empatía del personaje para con su entorno se contagia fácilmente al ojo espectador, donde por momentos se vuelve tortuoso espiar la intimidad de esta persona con quien difícilmente nos identifiquemos. Es bajo este marco, donde no nos imponen un personaje que deba emocionarnos, donde surgen actuaciones interesantes y se respira un aire fatídicamente real.

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Fernando Motrel.

The Robber

The Robber (Der Räuber). Alemania/Austria, 2010. Dir: Benjamin Heisenberg

Un lema que podría definir y caracterizar el espiritu de este film es el  de "Just Do it", porque además de ser el  slogan  de las zapatillas que  Hans, el protagonista, utiliza para sus maratones, podemos decir  que  es el lema que tambien  aplica en el resto de su vida como ex convicto y ladrón de bancos en la ciudad de Viena.
 
Basada en hechos reales, pero  adaptada de una novela, este film se narra desde la perspectiva de un ladrón muy particular. Sin profundizar en su psiquis, ni tomar partido moral al  respecto, Heisenberg nos cuenta la historia de Hans que roba,  corre, corre y roba, sin poder deternerse siquiera para gastar el dinero que  roba. ¿Impulsivo, emfermo psicológico o tan solo un mero criminal?
 
Lo que no falta en este excelente film, es la adrenalina, y la acción reguladas de  una manera muy personal. Un film de temporalidad lenta en el que la  acción irrumpe repentinamente, como una tormenta. Escasos dialogos, y muchas persecusiones, para un film que podría ser la respuesta pos-moderna a "Sin aliento" de  Godard. Lo cierto, es que muchas veces el espectador se va a sentir fatigado de ver todo lo que corre Andreas Lust, y la excelente interpretación que aporta, incluso desde su  inexpresiva máscara que se confunde con su rostro, mientras trata de seguirlo en su travesía, hasta el final de  su escapada.
 
Es remarcable el trabajo desde montaje y sobre todo desde la banda sonora. Super fragmentada por momentos y llena de musica diegética  y extradiegética (desde tecno hasta ópera)  que se funde con los sonidos ambiente, imponiendo ritmo y  complementando lo que ya se ve  desde las imágenes. Una banda sonora que nos recuerda a esa otra película alemana en donde una chica de cabellos rojos, llamada Lola, también  corria bastante por las calles de Berlin.


 
Uno de los excelentes e imperdibles exponentes de la competencia internacional.
 

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Jimena Patiño
 
 
 
 

Kings of Pastry

Kings of Pastry. EE.UU/Reino Unido, 2009. Dir: Donn Alan Pennebaker & Christine Hegedus.

Hacía tres años que no recibíamos un Pennebaker/Hegedus en BAFICI. Bienvenido pues este retorno, centrado en documentar el bestial coté del máximo galardón en la pastelería francesa, la versión ruda de Ratatouille.

Porque más allá de lo cool que pueden resultar las patisserìes de Lyon y la música de Django Reinhardt, aquí lo que pesa es un aparatoso discurso de Sarkozy (rodeado de agentes) alabando los esfuerzos extremos de los pasteleros que se animan a trancurrir casi una semana sin dormir con tal de generar el pastelito perfecto y el centro de mesa comestible menos endeble para alcanzar la caricia gubernamental de ser condecorados como el "Maestro Obrero de Francia".

Entonces acudiremos a los menesteres de estos maestros, que se parten el cráneo cuando se les quiebra un merengue ó se les oscurece demasiado una crema chantilly, todo bonitamente retratado por la cámara y acompañado por la música de marras comentada en el párrafo anterior.

Si la gula no nos nubla la razón ante tanto profiterol sofisticado, observaremos en Kings of Pastry la ansiedad de los aspirantes y las indicaciones poco claras de sus entrenadores, el replanteo en mitad de la competencia y deseo de dejar de lado todo a mitad de camino, sumado a la pomposidad característica de los maestros de ceremonias y a la sensación inequívoca de que aquéllo por lo cual parecería morir cualquier pastelero francés a fin de cuentas quizá no sea del todo preciso para continuar adelante.

Sobre todo en un mercado como el de la dulzura, aunque sea dulzura comestible.

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Daniel Celina

P.D: La analogía con Ratatouille no es gratuita, pues uno de los aspirantes al máximo galardón es igual a Linguini. Dicho aspirante generará quizá el momento más crítico de este gran documental de una dupla que a esta altura podríamos considerar imbatible.

Signers Suitcase

Signers Suitcase – On the way with the artist Roman Signer. Suiza, 1995. Peter liechti

Roman Signer es quizás uno de los artistas más atípicos y controversiales de la década del 90, y esto se debe sencillamente a que es uno de los pocos que se ha atrevido a hacer instalaciones con pirotecnia. A decir verdad su trabajo se encuentra entre la delgada línea de la escultura y la performance, ya que por momentos lo que hace parece más un show que otra cosa, y además la única manera de apreciar su obra es a través de la cámara de Peter Lietchi (o presenciando sus actos, claro, aunque se complica cuando los realiza por ejemplo junto a las lavas del Vesubio).

Los experimentos de Signer van desde el lanzamiento de sillas por las ventanas de una casa hasta el intento de hacer volar una mesa con proyectiles en sus 4 patas. Dicho esto bien podríamos concluir que el suizo es una suerte de Jackass Europeo pero con más pretensiones artísticas.
He aquí una exquisita demostración de la obra de Roman Signer:
http://www.youtube.com/watch?v=35iYo0LOrVI

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Off the record: Música en y para el BAFICI

5 canciones para escuchar durante el Festival

1- Lola - The Kinks (Do It Again)
2- Power to the People - John Lennon/Plastic Ono Band (The Agony and the Ecstasy of Phil Spector)
3- Titties & Beer - Frank Zappa (Frank Zappa: A Pioneer of the Future of Music)
4- Mr. Tambourine Man - Bob Dylan (Os Famosos e Os Duendes Da Morte)
5- Yoda - Weird Al Yankovic (Do It Again)

Mary and Max

Mary and Max. EEUU, 2009. Adam Elliot.

Después de la multipremiada trilogía clay-motion de Brother, Uncle y Cousin, y el ganador del Oscar a mejor corto animado Harvie Krumpet, Adam Elliot explaya los teman que le obsesionan en Mary and Max, sintentizando sus cuatro pequeñas obras en un enorme film de animación que no tardará -si es que acaso ya no lo hizo- en germinar su status de film de culto.

La historia sigue a Mary, una niña inocente procedente de una familia disfuncional, que un buen día tiene la idea de escribir azarosamente una carta a Estados Unidos para ver si alguien contesta sus dudas acerca de la vida. Quien recibe la carta es Max, un ermitaño sociofóbico que, lejos de poder responderle, parece tener aún más dudas que la niña. De esta relación a distancia surge una amistad tan inexplicable como entrañable, que terminará en un final que se ve venir pero no por ello resulta incorrecto ni trillado, sino todo lo contrario.

Es que Mary and Max es todo lo que el otrora realizador de cortometrajes venía prometiendo, y un poco más: al margen de que por obvias razones (el film está distribuido por Icon, la productora de Mel Gibson) la animación resulta superior, el guión delinea a la perfección personajes que, gracias a sus múltiples defectos, se vuelven tan tristes como queribles. La técnica animada encuentra además en su fotografía casi monocromática contrastes que aportan a la narración del film una metáfora lógica pero acertada: la calidez visual de Australia (Mary), contra el gris al 18% de NY (Max).

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36 vues du Pic Saint Loup

36 vues du Pic Saint Loup. Francia, 2009. Jacques Rivette.

Amor, desamor, traición, regreso, pasado y circo. Básicamente, estos cinco ¿temas? pueden definir la obra de Rivette, que en prolongados pero nunca monótonos silencios narra el regreso de una equilibrista a un amor que, paradójicamente, terminó accidentalmente quitándole otro: el de su pareja, también artista circense. Pero describir la trama de 36 Vues... en breves líneas resulta tan dificil como innecesario: el film, por momentos de característica más bien coral al estilo Altman, y por otros abiertamente teatral, es un compilado de grandes performances y una emotiva historia que se aleja por completo del estereotipo de freaks de circo, y se concentra en el aspecto humano de estos atípicos artistas.

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Leslie, My Name is Evil

Leslie, my name is evil. EEUU/Canada, 2009. Reginald Harkema.

Mucho se ha dicho acerca de Charles Mansons y sus delirios de mesías satánico, pero no tanto se ha hablado acerca de sus fieles secuaces: las famosas "chicas Manson". Leslie, la malvada del título, es la que, en palabras del "lider", era la que "estaba más buena".

Harkema busca con su film acercarse a la vida de estas muchachas seducidas por su majestad satánica, y comprender qué les pasaba por la cabeza -¡o qué NO les pasaba para cometer los actos que cometieron!, pero se queda a medio a camino entre un aproximamiento que recuerda en más de un aspecto al Natural Born Killers de Oliver Stone. Puede criticársele al realizador su ambigua simpatía que otorga a las protagonistas (especialmente a Leslie, claro), pero lo más objetable no es esto sino el tono "canchero" que parece adoptar en momentos donde algo de seriedad hubiese sido mucho más interesante. Recientemente, a propósito de su estreno limitado en Estados Unidos, el director dialógo con el National Post, atajándose al declarar "no creo que sea peligroso hacer un film de este tipo en una cultura que recientemente tuvo como gran éxito un film que usaba el Holocausto como pretexto para filmar torturas y venganza". Si bien acierta en que lejos está su film de resultar "peligroso" o controversial, puesto que los interrogantes que plantea resultan un tanto obvios y fáciles, se equivoca en un aspecto fundamental al hacer su analogía cinematográfica: Tarantino, por más que entretenida, no dirigió una comedia (y condena, desde el mismo título, a sus protagonistas). Y Leslie... , mientras que por un lado tiene un comienzo promisorio que parece querer indagar en el psiquis de las chicas, termina cayendo en artilugios del montaje cool y el grotesco doble subrayado, y la famosa frase "fuimos todos" que, cierta o no, no encuentra demasiada justificación en su contexto fílmico.

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